EL PASADO (2013)

CULPA SILENCIOSA

El Pasado, no sólo es la última  película del realizador irani Asghar Farhadi, sino su primer film dirigido en tierras occidentales, con mayor precisión en Francia, esperando que no sea última, ya que resulta interesante verlo desplazarte en otro tipo de ambiente, que no sea la sociedad iraní.

La película, como en todos los filmes del director, empiezan con un conflicto que parece cotidiano, pero que a medida que avanza, se van desmarañando más hilos, tomando otra dirección, existiendo el conflicto moral, en hacer lo correcto con las graves consecuencias que pueda traer esto, recuérdese los finales de A propósito de Ely (2009) y Una separación (2011), en donde los protagonistas se mostraban dubitativos en las decisiones que debían tomar. En esta ocasión no es diferente, los protagonistas se ven sobrepasados en  una situación que se le escapa de sus manos.

La historia nos sitúa en un aeropuerto parisino, en donde la escena inicial vemos a Marie (Bérénice Bejo) esperando a  Ahmad (Ali Mosaffa), quien es su esposo, estando separados por más de cuatros años, por lo que,  ha llegado a París para formalizar los papeles de divorcio. Si bien las conversaciones entre ellos parecen cordiales, existen una especie de resentimiento acerca de su relación que quedo inconclusa siendo muchas veces tensas las escenas entre ellos, esto agregado de los conflicto frecuente que tiene Marie con su hija Lucie, quien pedirá la ayuda de Ahmad para que hable con ella, ya que es la única persona que puede conversar con Lucie ya que se opone al futuro matrimonio con Samir (Tahar Rahim), novio actual de Marie.

A partir de las conversaciones con Lucie, es donde la película se va tornando más sombría, existiendo ese halo de misterio de la películas de Farhadi, de dejar al espectador en una sensación de incertidumbre sobre lo que viene ocurriendo. El director siempre trata de presentar a sus personajes como personas reales con virtudes o sobre todo con defectos, movidos por su egoísmo e inmadurez, ninguno se salva del juicio moral, pero Farhadi, lo que menos busca es ser un dedo acusador,  sino simplemente lo quiere es contar una historia de seres humanos que se sufren y aman.

La forma como Farhadi, le da profundidad a escenas cotidianas, es realmente digno de resaltar, en como sitúa la cámara como un personaje más, en su esmero en el detalle de cada frase dicha o no dicha, en el movimiento de los cuerpos, gestos y miradas, cada personaje se encuentra claramente definido, mostrándonos sus motivaciones. Esto nos habla de un director que no deja nada al azar, siendo un creador total de la historia que nos narra, que nos demuestra una vez que estamos ante un realizador con proyección de maestro.

LES LYONNAIS (2011)

LEALTAD A PRUEBAS DE BALAS

Olivier Marchal, director francés que se ha convertido en la actualidad en un especialista en el género policíaco. Cabe precisar que el propio Marchal fue agente de policía, dejando dicho oficio, por el miedo que le generaba el trabajo, abrazando posteriormente la actuación y dirección, es tal vez la razón que su cine se centre en ese género. 

Su conocimiento sobre el mundo policial, permite brindar en sus películas muchos detalles sobre las investigaciones policiales, como la forma de actuar de los criminales, mostrándonos los códigos en que se rigen ambos bandos. Marchal trata de presentar una mirada objetiva de sus personajes ya sea policías o criminales, en donde la línea que los separa es prácticamente imperceptible. 

En las películas anteriores del director, MR 73 y Asuntos pendientes, la historia se centraba en las vivencias y conflictos de los agentes policiales, en su última película, Marchal, cruza la vereda del frente, y nos cuenta la historia de Les Lyonnais, que es una banda criminal de asaltantes formada en la decada de los setenta,dirigida por Edmond Vidal (Gérard Lanvin) alias ¨Momon¨, la pelicula se nos es narrada con constantes flashback el origen en el mundo criminal de Momon y sus amigos, sobre todo Serge su mejor amigo, en donde la historia tiene su detonante con la detención policial de Serge, debido a lo cual, Vidal volverá de nuevo a la carrera criminal que había jurado no regresar, pero la amistad y lealtad pesan más, y decide liberar a su amigo a sangre y fuego. 

La película, recuerda al cine de Melville, sobre todo El círculo rojo y Crónica negra, de aquellos criminales imperturbables y fríos, que mantienen un código de honor y lealtad que no puede ser roto, y cuando la traición ocurre, uno debe de aceptar con dignidad de dicha deshonra; también a los policías obsesionados en atrapar a los criminales utilizando cualquier recurso ya sea legal o no para lograrlo. Pero también trae a la memoria a la saga de El padrino por algunas escenas y el uso de flashback, (El bautizo del nieto de Momon, la fiesta en su familia,  la historia de su origen), que no son simple casualidad, siendo un referente claro en su cine.

Marchal va construyendo la película, en base a la figura de Vidal y su código de honor, sus acciones se van moviendo de acuerdo a las enseñanzas que fueron inculcadas desde niño, y que son mostradas a través de Flashback, que le dan un gran sentido a la película, con una narración dinámica y concisa contándonos tan solo lo necesario para saber lo que ha ocurrido y ocurrirá. Les Lyonnais, es una película magnética, en donde los diálogos no son extensos ni grandilocuentes, sino cortos y contundentes, las imágenes dominan la pantalla, brindándonos un espectáculo memorable. Es sin ninguna la mejor película hasta de fecha de Marchal, que esperemos siga por esta senda.

NE LE DIS À PERSONNE (2006)

DE ENTRE LOS MUERTOS

Segundo largometraje del joven director francés Guillaume Canet, que es una adaptación de la novela Tell no one, del escritor norteamericano Harlan Coben. Canet a pesar de contar con pocas películas, actualmente goza de muy buena opinión de la crítica y acepción del público, sobre todo por su última película ¨pequeñas mentiras sin importancia¨, que ha sido una de las películas más taquilleras de 2010.

Ne le dis à personne (titulado en español como No se lo digas a nadie), es un thriller que tiene como punto inicial el asesinato de la esposa (Margot) del protagonista Alex, un pediatra que aun no ha podido rehacer su vida después de los 8 años de lo ocurrido, la sentirse culpable por no haber hecho nada para salvarla. Pero un día los fantasmas del pasado volverán a perturbar al Alex, despertando el deseo de conocer la verdad sobre lo ocurrido a su esposa Margot. Podemos encontrar en la historia alguna reminiscencia de Vértigo de Hitchcock, en la obsesión en el recuerdo de la mujer amada y el sentimiento de culpa que acompaña al protagonista.

Alex Beck tal como el personaje de Ralph Fiennes en El jardinero de Fiel, busca la verdad, aunque pueda ser incomoda y dolorosa, moviéndolo el amor que tenia por su esposa, es su único motivo para seguir en un camino se vuelve cada vez más peligroso, en donde va encontrando más preguntas que respuestas, el misterio crece conforme avanza la historia. Canet mueve los hilos con maestría, dando una historia con mucho ritmo, en donde no da respiro al espectador, todos los personajes tienen un función dentro del desarrollo de la historia, son piezas que son utilizadas con sutiliza y discreción en la trama, no hay dado dejado al azar, todo está construido de una forma articulada, para brindarnos un film potente.

La historia nos presenta una batalla de un hombre por desentrañar la verdad y otros en ocultarla, movidos por el mismo sentimiento, en donde harán uso de la fuerza, realzando crímenes para lograr sus objetivos, estando dispuesto a sacrificar hasta su propia conciencia, a veces la verdad es un arma que nos va destryendo dia a dia. Ne le dis à personne es un thriller sin pretensiones, que nos quiere imbuir en el misterio, pero al mismo tiempo conmovernos por la historia de amor que hay detrás, de lo mejor en su género en los últimos años.

UN PROPHÈTE (2009)

UNA GUERRA DETRAS DE LOS MUROS

Cuando nos hablan de películas en las cuales sus historias se desarrollan en la cárcel, llega a nuestra mente, filmes como La Evasion de Jacques Becker; El condenado a muerte ha escapado de Bresson; White Heat de Raoul Walsh; Brute Force de Jules Dassin, los cuales son grandes dramas carcelarios, obras maestras del genero, en donde se veia la union de los grupos de presos, que luchan y trabaja para un objetivo en común, pero en el mundo carcelario al igual que el extramuros, existe la división, por grupos, la lucha por obtener el territorio, y la supremacía, siendo películas más actuales, y tal vez más cercanas a la realidad, como American Me; Sangre por sangre; son los que mejor demuestran las diferencias entres los clanes.

Un prophète, dirigido por Jacques Audiard, va por el segundo tipo de películas carcelarias, es decir, en describirnos un grupo de hombres que se devoran unos a otros, los cuales luchan por el poder en el ese pequeño universo en el cual están encerrados, realizando una de las pequeñas joyas del cine francés contemporáneo.

La historia tiene inicio, con la llegada de Malik El Djebena (Tahar Rahim), un joven de ascendencia Arabe,sin educción, totalmente perdido en ese nuevo mundo, será obligado por Cesar jefe de la mafia de Corsa, a matar a un preso (Reyeb), que es miembro del grupo de los árabes, por este trabajo tendrá mayor acercamiento con el grupo dominante, que son los Corsos, ganándose poco a poco la confianza de Cesar,

Audiard, nos va mostrando el aprendizaje de Malik, y su transformación en hábil comerciante, se convertirá en un hombre, que no tendrá bandera, ya que si bien es un árabe, su grupo lo repudia por ser un sirviente de los Corsos, es así que Malik de caminará en seguro por los pasillos de la cárcel, bajo la protección de Cesar, pero sin la libertad que el quisiera, ya que aun se considera un simple sirviente de Cesar, que es un monstruo que devora todo,no se arrodilla ante nadie, su voluntad se tiene que cumplir, y nada escapa de sus ojos.

Su director, nos transporta a ese lugar, a esa guerra de poderes, y ver quienes sobreviven, con una cámara,que utiliza diferentes planos, sobre todo el subjetivo, que nos brinda la visión de Malik de ese mundo en cual es obligado a vivir, va creando una atmósfera de tensión, mostrándonos los actos preparatorios de Malik, en donde deja la sensación en el espectador que algo muy pronto esta por ocurrir; Audiard no toma partida, tan sólo es el narrador de esta historia, y nos la cuenta describiendo y presentando a cada personaje en su total desnudes, en Un prophète, no existe el bien y el mal; ni mensajes; ni ninguna moraleja que contar, tan sólo la historia de una guerra secreta, desarrollada detrás de los muros.

HACE MUCHO QUE TE QUIERO (2008)

EL REGRESO DE JULIETTE

Escrita y dirigida por el novelista francés Phillippe Claudel, haciendo su debut en el cine,en el cual nos entrega una obra notable, sutil, y conmovedora la, que constituye una desborde de emociones entremezcladas, amor, rencor, dolor, alegría, tristeza.

La historia es sobre una ex convicta llamada Juliette (Kristin Scott Thomas), la cual sale en libertad después de pasar quince años en la cárcel, Léa (Elsa Zylberstein)que es su hermana de menor, la recoge de la cárcel, para llevarla a vivir con su familia, conformada por su esposo y sus dos hijas adoptivas (de origen vietnamita), Juliette ha sobrevivido estos 15 años, construyendo un muro a su alrededor, para alejar a los demás, y olvidar su dolor, pero ahora en libertad, no sabe como regresar a su vida anterior, una vida que ha intentado todos esos años en olvidar, pero tal vez pueda encontrar un motivo para regresar.

El director, va develando poco a poco, el secreto de Juliette, de una manera tan sutil, que nos muestra la gran sensibilidad de su director, al momento de contar la historia, la película se va armando de nivel en nivel, es impresionate la forma como maneja de los tiempos narrativos, las elipses, si bien se trata de una película construida con pocos diálogos, silencios, un ritmo pausado, es una película dinámica.

La contiene escenas memorables, como la escena en que se conoce el crimen que cometió la protagonista, es sencilla e impactante, entonces la interrogante es cada vez mayor, ya que conforme uno va conociendo Julietta, no puede entender los motivos que le llevaron a cometer el crimen, otra gran escena es tratada cuidadosamente, es cuando Juliette lee el diario de Léa, es realmente conmovedora.

La cámara sigue a la protagonista, la cual en un inicio es fría y alejada, pero que poco a poco va bajando la guardia, y se enamorándose de las hijas de su hermana, pero Julietta aun continua alejada, todavía no decide regresar, el dolor permanece y dolor de olvidar y haberse sido olvidada, pero se dará cuenta que durante los años de prisión se engaño, porque si había alguien que la esperaba, y que aun la sigue esperando.

Gran merito de la película cae sobre los hombros de una extraordinaria actriz Kristin Scott Thomas, es impresionante lo transmite su actuación, con miradas, gestos, con un simple esbozo de sonrisa, con su silencio, nos dice todo.

Como ya dije se trata de una película notable, con gran trabajo de dirección, nos conmueve y emociona, nos sumerge poco a poco en la historia, en ese extraño viaje que realiza Julietta para regresar a casa, sabiendo que no importa el tiempo que a uno le tome regresar, cuando siempre hay alguien esperando.

EL AÑO PASADO EN MARIENBAD (1961)

EL ARTE DE RECORDAR

Alain Resnais, uno de los más grandes directores que ha dado Francia, aunque si bien su introducción en el cine fue contemporáneo con la Nouvelle vague, no se podría hablar propiamente que se perteneciera a dicha corriente, ya que el cine de Resnais, no buscaba un mayor realismo, y naturalidad, sino la percepción sensorial de su obra la inmediatez de la misma con el público, siendo eminentemente estético, dejando de lado los convencionalismo o reglas del cine, tales como la estructura narrativa y el tiempo.

El inicio del film nos sitúa en un lujoso hotel, con una voz, a la cual al comienzo no entendemos lo que realmente quiere decir, al mismo tiempo realizamos un recorrido por los salones de dicho hotel, entonces vemos a personas estáticas presenciando una obra de teatro, o tal ellos también forma parte de esa obra de teatro, desde ahí empieza el desconcierto, el misterio, las interrogantes que una a una nos hacemos, sin llegara a una respuesta definitiva, tal esa sea la idea, tan solo generar preguntas, sin ninguna respuesta.


Un hombre se acerca a una bella mujer, para tratar que ella recuerde lo que paso en dicho hotel hace un año, pero ella no lo recuerda, o no quiere recordar, o tal vez nunca paso, o ese hombre es fantasma, o producto de la imaginación de la mujer, es así como transcurre la película, nos lleva a diferentes tiempos o tal vez sea uno sólo o ninguno, la memoria es el elemento más importante, pero el director alega al recuerdo de cada espectador.

Tal vez nos encontramos con una de las películas más puras cinematográficamente que ha dado el cine, ¿por qué hago esta afirmación?, es porque simplemente esta escapa a la realidad, a la lógica, a cualquier concepción del tiempo, recuerdo, la vida, la muerte y el amor, es un ir volver, es el recuerdo de lo que pasó o pasará, es un canto al amor, que rompe todos los esquemas, la película es construida a través de imágenes, los personajes se mueven controlados por su director de una manera milimétrica, no hay nada al azar, en los diálogos lo importante no es lo que se dice sino la musicalidad y el ritmo de los mismos, su director crea una obra para ver y escuchar, captar nuestros sentidos, es arte puramente cinematográfico, nos rebasa, nos deja perplejos, la narración es desordenada, los tiempos se confunden, al igual que los propios personajes, no sabemos dónde nos encontramos.

Las imágenes tienen un diseño onírico, estilizado, dándonos las pistas sobre lo que estamos presenciando, una obra de arte en toda su dimensión, los encuadres, la colocación de los actores, el decorado, el retoque de las sombras, Resnais juega con los personajes, y al mismo tiempo con el espectador, y es aquí en donde nos damos cuenta que nosotros somos los protagonista de la historia, somos nosotros que estamos dentro de esos recuerdos o sueños, traspasamos las barreras del tiempo y el entendimiento, la interacción es total, hemos sido hipnotizados, las imágenes nos seducen, no podemos apartar nuestra mirada, llegan a formar parte de nosotros, siendo un golpe incesante a nuestra memoria, un viaje placer para nuestros sentidos.

UN DIA EN LA VIDA DE ANDREI ARSENEVICH (2000)

EL FANTASMA DE PASTERNAK

Andrei Tarkovsky, se le acusa de un demandado personalista, alejado de las masas, en otras palabras de que su cine, era elitista, y de difícil comprensión para la mayoría, decir eso, es no conocer verdaderamente el cine de Tarkovsky, su cine no elitista, tan solo busca sensaciones del espectador ante las obras que realizaba, es decir sus películas eran sensitivas, más que intelectuales, para entender el cine de Tarkovsky, no era ser intelectual, sino una persona de gran sensibilidad, que era justo lo que buscaba, a través de sus imágenes, que golpeaban a nuestros ojos, por el impacto que provocaban.

En su cine no había nada que entender, tan solo de sentir, ser un unidad espectador-obra, mezclarse e interactuar uno con otro, Tarkovsky, en su Teoría cinematográfica esculpir el tiempo, mencionaba, que la materia prima, donde trabaja un cineasta es el tiempo, así como de un escultor el mármol, la sensación es inmediata con respecto a la obra, el cine juega con el tiempo, lo moldea, de acuerdo a lo que busca el artista, el cine atrapa el tiempo y lo usa, a su vez, para Tarkovsky, la imagen es el absoluto, es la materialización del pensamiento, estamos en otras palabras ante la dictadura de la imagen, ya que es lo es todo, el lenguaje forma parte de la imagen, ya que sin la imagen no es nada.

Chris Marker, a través de su documental, Un día en la vida de Andrei Arsenevitch,que forma parte de la colección cine de nuestro tiempo , esta rinde homenaje a uno de los grandes del cine, Andrei Tarkovsky, en donde parte una grabación sobre el rodaje del film El sacrificio, para contarnos sobre este artista que queria darle categoría de arte al cine, al igual que otras disciplinas artísticas, Marker hace un recorrido sobre el cine de Tarkovsky, desde sus inicios en la escuela de cine de Musco, hasta su ultima película, mostrándonos breves escenas de La infancia de Ivan, Andrei Rublev, Solaris, El espejo, Stalker, Nostagia, El Sacrificio, en donde nos va describiendo el cine del cineasta ruso, en las cuales trasmitía, sus aflicciones, obsesiones, amores, y sobre todo la concepción sobre la divinidad, que sutilmente a través de las imágenes o movimientos de cámara nos la mostraba.

Marker, en menos de una hora de documental, logra trasmitirnos, e introducirnos en el mundo de Tarkovsky, justamente a través de las imágenes, de pequeños pasajes de su cine, Marker hábilmente construye el relato del film, contándonos los últimos días de Andrei, con las obras de cinematográficas desde La infancia de Ivan hasta El Sacrificio, mostrándonos la forma como vivía y respiraba el cine, como en su lecho convalecencia por el cáncer, daba los últimos ajustes a su obra arte.

Es asi, que nos cuenta una anécdota que le sucedido a Tarkovsky, en una sesión espiritista, en donde se comunicó con el fantasma de Boris Pasternak, que le dijo: “ que sólo rodaría siete películas. "¿Sólo? ", preguntó Andrei. "Pero serán buenas", respondió¨, fue así, Tarkovsky tan sólo dirigió 7 películas, siendo estas obras maestras, por esa obsesión de perfeccionamiento, de no dejar nada a la azar, en donde él era el creador, se convertía cuando dirigía en una divinidad, que movía el tiempo y la naturaleza a su antojo, esculpía el tiempo y las imágenes, como muy pocos los han hecho.

Marker, es tal vez uno de los mejores documentalista en la actualidad, porque al igual que Tarkovsky, cree en la imagen como una religión, en donde la importancia del relato se encuentra en la imagen, ya que las historias se construyen a través de estas, no existe un antes ni un después, la imagen lo es todo, y yo me auto nombro en su seguidor de ambos.

LES BAS-FONDS (1936)

LA COMEDIA DE LA MISERIA HUMANA

Los bajos Fondos, adaptación de la obra homónima de Maximo Gorki, obra que ha sido adaptada en diversas oportunidades en el cine, la presente película es dirigida por el maestro Jean Renoir, director que realizó sus principales películas en el periodo anterior a la Nueva Ola, pero a diferencia de sus contemporáneos, su cine no era acartonado, ni academista, características que los iniciadores de la Nueva ola estaban en contra, siendo una de las razones por la cuales las películas Renoir fueron revaloradas, además de sus cualidades cinematográficas, con respecto a la dirección, y la forma aguda de retratar la realidad, y el humor que le imprime a sus filmes, aunque en ellos se toquen temas trágicos y dolorosos, por lo que Renoir, dosifica la comedia como un elemento importante, mostrándonos su gran talento en la manera de narrar sus historias.

La historia se inicia en un salón de Juegos de la burguesía francesa, en donde El Barón (Louis Jouvet) en juego de cartas lo pierde todo, abandonando el lugar con mucha calma, ese mismo día conocerá a Wasska Pepel (Jean Gabin, un ladrón de mala muerte, al cual le regalará objetos de su antigua casa, prefiriendo que se lo lleve él que algún acreedor, esto llevara a una confusión con la policía que es resuelta por El Barón, al ver Pepel que su nuevo amigo no tiene a donde ir le ofrece un acomodarlo en el lugar que esta ocupando, ya que tiene mucha influencia con la dueña de la pensión.

En la pensión estarán alojados diversos personajes, que vivirán en la miseria, además del matrimonio que alquila los cuartos conformada por Vasilisa Kostyleva y Kostilev, y Nastia la hermana de Vasilisa, en el que se realizara un enredo amoroso entre Vasilisa, Pepel y Nastia, ya que si bien Vaisilisa está casada, tiene un romance con Pepel, del cual está completamente enamorada, pero Pepel está enamorado de Nastia, a lo cual ella no lo rechaza del todo, siendo algo que percibe muy bien Pepel.

Ya habíamos mencionado sobre el cine Renoir, que el humor es un elemento recurrente en sus películas, aunque las historias toquen temas sobre la miseria, dolor y muerte, como la presente película, conjugando todos los elementos para imponer el ritmo, describiendo perfectamente a los personajes en unas cuantos pinceladas, El barón es ser cínico, aunque culto de bajos instintos capaz de hacer las peores maldades, con el simple afán de divertirse; Pepel, si bien es un ladrón, es una persona de buen corazón, aunque no lo quiera aceptar, siendo una de las razones del porque Nastia se siente atraída por él; Vasilisa es una mujer insatisfecha, que se caso simplemente por el dinero, busca el amor pero este le es esquivo, por lo que deja a relucir su amargura y envidia; Nastia es una muchacha noble, pero rebelde e inteligente, que gracias a su astucia sale bien librada de los contratiempos.

El film constituye en un gran trabajo de Renoir, en todos los aspectos como en el narrativo, de dirección, y los actores,juega muy bien los tiempos, con el ritmo que se imprime a la narración, diálogos ingeniosos, cabe destacar además la escena final que un claro homenaje a otro grande Charles Chaplin, de una de sus obras maestras Tiempos modernos, Renoir es un director referente para los viejos o nuevos directores, ahí la importancia de su cine.

QUE LA BÈTE MEURE (1969)

CHABROL Y EL CINE POLICIACO

La Nueva Ola francesa, tuvo como uno de sus integrantes a parte de los ya conocidos Truffaut y Godard, a Claude Chabrol, que se ha especializado hasta fecha con el cine policíaco o de crímenes, en donde con mirada cínica, presenta a la burguesía francesa en su faceta más frívola e infantil, en muchas ocasiones con resultados sobresalientes, como La mujer infiel, El carnicero, Gracias por el Chocolate, La ceremonia, Un asunto de mujeres, Al anochecer, y la presente película que nos ocupa hablar.

Que la bête meure, que en España lleva el título de Accidente sin Huella, en latinoamerica la traducción es más fiel al original, teniendo los siguientes títulos, La bestia debe morir o Que la bestia muera, la historia se centra en la venganza de Charles Thenier, un escritor que buscara al hombre o mujer, que en un accidente automovilistico mato a su hijo y huyo, constituyendo el único motivo para seguir viviendo, el vengarse del asesino, en donde ira descubriendo poco a poco más pistas sobre la identidad del asesino, ya que no sabe quien es, sólo sabe que tiene que morir.

Mientras va desentrañando el misterio sobre el accidente, nos va contando sus planes como acabar con el asesino, pero en su camino encontrará a Helene Lanson una actriz de cierta fama, que es cuñada del odioso Paul Decourt, con la cual tendrá una relación sentimental, pero es utilizada simplemente por Charles para llegar a Paúl, el principal sospechoso del crimen, al que conocerá a fondo su vida y su familia, siento una real repulsión hacia Paul por ser una persona despiadada y cruel con los que lo rodean, en donde la idea de matarlo adquiere más fuerza.

La película es fría y directa, el dolor del padre no se exterioriza pero se siente, su investigación, es un peregrinaje, un recorrido hacia la exhumación del dolor, sus palabras son constantes plegarias para dejar todo atrás y desistir de la búsqueda, pero no puede hay algo más fuerte que él, algo domina su voluntad, ya no existe el hombre, este se convirtió en un ser guiado por la venganza, para él no hay un antes ni un después, tan sólo su venganza, Chabrol consigue mediante una narración plagadas de miradas y rostros fríos, transmitirnos lo que siente cada uno de ellos,en donde la tensión se respira en todo el film.

Chabrol, nos regala mediante este título, uno de sus mejores películas, en donde la trama es simple, pero su director desmenuza a los personajes a su antojo, a los cuales nos presenta en su real desnudes, en donde no hay contemplaciones, siendo esta complejidad en los personajes que absorbe y penetra en nosotros, y que le da categoría de obra maestra al film.

LE CHEMIN DES ÉSCOLIERS (1959)

EL OPORTUNISMO EN TIEMPO DE GUERRA

La ocupación nazi en Francia ha sido llevada al cine en diversas oportunidades, algunas con muy buena fortuna, donde las más sobresalientes son; Esta tierra es mía de Jean Renoir, El condenado a muerte ha escapado de Robert Bresson, La travesía de Paris de Claude Autant-Lara y; Adiós, muchachos de Louis Malle; en la primera mencionada Charles Laughton interpreta a profesor cobarde que si bien como casi todos los franceses se opone la ocupación, su cobardía le impide involucrarse; en el segundo caso la película de Bresson, nos cuenta la historia de un joven de la resistencia que cree firmemente en luchar en contra del ejercito alemán y liberar a su país; la tercera en un tono de comedia Jean Gabin es un pintor que decide ayudar a un comerciante a transportar carne en el toque de queda; en cuanto a la última Malle nos conmueve con la historia de dos amigos que están en un internado en la época de la ocupación alemana.

En la mayoría de estas películas se tiene como tema central el heroísmo, la lucha en contra un enemigo en común, en este caso en particular el ejercito alemán, siendo el más claro ejemplo de esto la película Renoir (Esta tierra es mía), bueno también se debe ver que fue rodada en 1943, es decir en plena ocupación alemana, pudiendo ser tachada de ser un film netamente propagandístico, pero esto no quita la buena factura de la misma.

Entre las películas antes mencionadas, la que guarda más relación con el presente a film a comentar es La travesía de Paris, porque en ambas no nos cuenta actos heroicos, ni personajes que se oponen a la ocupación nazi en Paris, solo se muestra a personajes que quieren sobrevivir, en Le chemin des écoliers, Alain Delon es Antoine Michaud, un estudiante del colegio que no le interesa asistir a la escuela sólo busca diversión, y ganar dinero en el mercado negro de Paris, además de pasar el tiempo con la hermosa Yvette (Francoise Arnoul), para lo cual Antoine engañará a sus padres, sobretodo a su padre Charles que es un empresario honesto, que jamás se atrevería a ayudar al ejercito ocupasionistas a ayudar o sacar provecho de la guerra, el engaño consistirá en supuestamente realizar un viaje a la casa de campo de un amigo, siendo descubierto, para lo cual elaborará otra mentira al hacerlos creer que el engaño se debió a que es miembro de la resistencia parisiense y no quería que se enteraran de su participación en dicho grupo, ante esto los padres de Antoine se sentirán orgullosos de él.

Es así, que Antoine seguirá saliendo sin que sus padres se opongan, creyendo que su hijo es un héroe, a lo que llevará a cómicas situaciones, como la escena del restaurante donde asisten miembros del ejercito alemán y los colaboracionistas, en donde todo se torna una situación inmanejable para el pobre el Antoine y sus compañeros para no ser descubiertos de sus mentira y que son simplemente unos traficantes de mercancía.

Si bien la película parece tomar con ligereza el tema de la ocupación alemana, no es así del todo ya que los que nos cuenta es acerca la responsabilidad, la madurez, la familia, cuando no queremos aceptar que las cosas no a volver a ser como antes, y que los niños dejaron de serlo hace mucho tiempo, aunque traten de llevar una vida dentro de su cotidianidad, la guerra siempre está presente, y que las cosas ya no pueden a volver a ser iguales, es una buena comedia sin pretensiones, que logra entretener del todo.

LES DISPARUS DE SAINT-AGIL (1938)

LOS QUE NO TENÍAN MIEDO

El cine sobre escuelas, donde los protagonistas son los niños nos ha dejado grandes películas, sobretodo el cine europeo como Les diaboliques, Adiós a los muchachos, Cero en conducta, Melody, The Wall, en donde los niños se revelan contra la autoridad, ya que los adultos no llegan a comprender los que sienten realmente, generándose una batalla entre ellos, esto se describe perfectamente y de manera magistral por Jean Vigo en Cero en conducta, la presente película es deudora de esa gran película, donde tres niños hacen la vida imposible al director del colegio de Saint- Agil.

Produccion francesa, dirigida por Christian-Jaque, los profesores del colegio estarán a cargo de dos leyendas del cine, Erich von Stroheim y Michel Simon, que interpretarán a el profesor Walter y el profesor Dessin, respectivamente, el profesor Walter es extrajero, con un rostro adusto que produce miedo en los alumnos de la escuela, y desconfianza en los adultos, sobretodo por su origen.

Existe un pequeño grupo secreto de alumnos conformado por André Baume, Philippe Macroix y Mathieu Sorgue, que se hacen llamar ¨los sin miedo¨, que tienen un plan de escapar del colegio y irse a América, pero sus planes son olvidados por un momento cuando uno de ellos veo un hecho extraordinario, que se lo contara a los demás miembro del grupo, pero estos se mostraran incrédulos con los que dice, sobre un hombre que puede desaparecer, pero unos cuantos días después el niño desaparece del colegio, por lo que nadie sabrá a donde ha ido, ni sus amigos que sospecharan que se escapo a América, pero empezaran a dudar, e iniciarán sus búsqueda por el colegio, teniendo como aliado al profesor Walter.

La película se desarrolla en un clima de misterio, en donde habrá varias interrogantes, la verdadera ubicación del niño, y de un antiguo trabajador del colegio, además del caso del hombre invisible, la introducción de los personajes, al inicio es brindada de manera jocosa, con las travesuras del grupo de niños y el ingenio utilizado por estos, además de la intolerancia y abuso por parte del director del colegio, es así que el suspenso y el humor en están presentes.

Se trata de una película sobre la camaradería, amistad, la soledad, sobre el miedo y rechazo a lo desconocido, y el respeto ganado a base de la confianza y no por la mano dura , los niños enseñan a los adultos que uno de vencer el miedo para conocer la verdad, regalándonos un Film notable, de visión obligatoria.

MARIE-OCTOBRE (1959)

DESCUBRAMOS AL ASESINO

Hay películas en las que se desarrollan en un solo escenario, donde algunos afirman que se tratan de películas teatrales, sinceramente consideramos que tales afirmaciones son un total desconocimiento del teatro, ya que si bien las obras de teatro se ejecutan en un su lugar, esto no significa que toda la historia se desarrolle en un solo escenario, sino la historia se puede desarrollar en diferente lugares y tiempos al igual que el cine, claro que hay obras teatrales que se producen en un escenario, pero esto no debe ser tomado como una característica intrínseca del teatro.

Por tal razón las películas que utilizan un sólo escenario, es un recurso cinematográfico en las el director trata de transmitir en un solo espacio la angustia, incomodidad, la convivencia al limite que se pueda producir entre sus protagonistas, ejemplos de esto tenemos a 12 hombres sin piedad, La soga, Naufragos, El ángel exterminador, Arresto preventivo, Una simple formalidad, La escalera, entre otras.

Dirigida por el gran Julien Duvivier, autor de joyas como Pepe le Moko, La bandera, María Chapdelaine, la historia de la película tiene lugar 15 años después del fin de la segunda mundial, Marie Helene Dumoulin (Danielle Darrieux), invita a sus antiguos camaradas de la resistencia francesa, para recordar la muerte de uno de sus miembros, todos parecen haber dejado atrás sus ideales de juventud, en donde ahora son empresarios, funcionarios publico, médicos, en algunos casos desarrollando enemistades entre ellos con el tiempo.

Pero la cena para recordar la muerte de su antiguo miembro del grupo es una simple excusa para reunirlos nuevamente, al revelar que uno de los invitados fue un traidor y que informó a la Gestapo para desactivar al grupo, ocasionado la muerte de su amigo, es así que la película será una batalla de diálogos agudos entre sus protagonistas, además del juegos que se producirá para descubrir al traidor, llevando repasar con detalle lo que ocurrió en el día de la traición, en donde ninguno estará libre de sospechas, todo esto se ocurrirá en la casa de Marie Helene, siendo una gran punto a favor del Film, al trasmitir un ambiente opresivo, dándonos muestras del gran talento de Duvivier, en contarnos la historia de varios individuos que vivirán juntos una experiencia que nunca olvidaran.

UN ACTE D´AMORE (1953)

VICTIMAS DE LA GUERRA

Coproducción franco estadounidense, con el título original Un acte d´amore, siendo su título en los Estados unidos Act of love, dirigida Anatole Litvak que ya habíamos comentado hace poco aquí Decision Before Dawn, que al igual que esta, su historia se desarrolla en la segunda guerra mundial, pero a diferencia de esta última no nos encontramos ante una película del genero bélico, sino mas bien ante un melodrama, que tiene lugar en París liberada por el ejercito aliado.

La historia se inicia en un balneario francés, donde un hombre pide una habitación, la cual describe con total exactitud, sin haber estado nunca ahí, llegando en ese momento los recuerdos cundo se encontraba en París, ese hombre es el Robert Teller (Kirk Douglas), que fue un soldado que se encontraba estacionado en París durante la segunda guerra, esperando nuevas ordenes, dedicándose simplemente a pasarla bien.

Es así, que la historia que se cuenta es un largo flashback, que nos muestra a un hombre que no le encuentra ningún sentido el amor, siente que el amor no existe o que no existe alguna mujer que el llegue amar de verdad, hasta que obligado por las circunstancias conocerá a Lise Gudayec (Dany Robin), que la hará pasar por su esposa, compartiendo el mismo cuarto.

Teller encontrara en Lise una alma noble, que necesita protección, sintiéndose cada vez más comprometido en ayudarla, pero a veces las cosas nunca salen como uno espera, es un film dirigido con buena mano por Litvak, mostrando el amor y tribulaciones de una pareja que luchara contra los prejuicios, la desaparición, angustia, desencanto de una Francia destrozada después de la guerra, donde nos encontraremos diversas actitudes de los franceses con respecto a liberación de París.

Dany Robin nos entrega una gran interpretación de Lise, ella es el centro de la película, representa a esa Francia mancillada y humillada por la guerra, donde hay heridas que aveces no se pueden curar por el tiempo ni el amor, tanto Lise como Teller sentirán por primera vez en sus vidas que la felicidad no es ajena para ellos, pero el camino no sera fácil.

GRAN JUGADA EN LA COSTA AZUL (1963)

CINE POLAR DEL BUENO

Titulo original Mélodie en sous-sol, la historia tal vez sea la tipica pelicula de robos, Charles (Jean Gabin) un especiliasta en robos, al salir de la cárcel, elabora el robo en un casino de Cannes, con la ayuda de Francis Verlot (Alain Delon), la pelicula utiliza los elementos del cine negro, tomando como referencia películas tales como La Ciudad desnuda, El atraco perfecto, Rififi.

En donde podemos observar como se va elaborando el robo y, como este es llevado a acabo por lo miembros del grupo de ladrones.

Su director Henri Verneuil, juega muy bien con el suspenso, realizando un gran trabajo, en la manera como narra el desarrollo de la historia, elaborando escenas llenas de detalles, sobretodo en lo que respecta a las escenas del robo, utilizando de manera inteligente y con talento los intercambios de una escena tras otra, transmitiendo la angustia de los protagonistas.

El final también es digno de destacar, donde el suspenso va creciendo aun más, consiguiendo uno de los mejores finales de la historia, siendo un claro homenaje a una película referente de este genero que prefiero no decir su nombre, para que uno mismo lo descubra.

Gabin, Delon y Verneuil, se volverían juntar en otra película, en El clan de los sicilianos, un película de menor calidad, pero de nuevo se mostraría la química que había entre los tres.

Como ya he mencionado la Gran jugada de la costa azul, es un gran trabajo conematografico, siendo una muy buena muestra de la calidad del cine polar (cine negro frances), que tiene títulos tan importantes como Rififi, El silencio de un hombre, El circulo rojo, Bob el jugador, entre otras.