THE YELLOW SEA (2010)

HAY UNA EPIDEMIA DE RABIA

El director sur coreano Na Hong-jin, nos sitúa en Yanji, ciudad autónoma de la República Popular  China, que es un punto fronterizo entre Corea, China y Rusia, en donde la población mayoritaria de coreana, quienes son relegados en China, buscando fortuna en Corea del Sur, dicho lugar es el punto de partida de un viaje de sangre y violencia que realiza el protagonista, es un taxista Ga-num (Ha jung-woo) que tiene deudas con mafiosos, debido a la adicción al juego, lo cual se convierte en un círculo vicioso, además que su esposa se fue en busca de trabajo en Seúl, sin saber noticias sobre ella, poniéndolo al límite de sus fuerzas.

Dicha situación es aprovechada por el mafioso Myun-ga (Yun-seok Kim), que le propone realizar un crimen para poder pagar sus deudas y si es posible recobrar a su esposa. En Shaser (2008), primera película del director, nos contaba la historia de un proxeneta, un sujeto de lo más despreciable, que se ve envuelto en una la persecución de un asesino en serie, en donde una persona común es puesto en una situación extraordinaria, siendo una víctima de las circunstancias, bajo esta misma premisa, es que se va desarrollando la historia, como si nos encontráramos en un film de Hitchcock, pero nos encontramos ante una película coreana, por lo que, los golpes, cuchillos, machetes, peleas y sangre y mucha sangre están presentes.

Se puede decir que la historia se encuentra divida en cinco partes, la primera que es la introducción, donde se presenta al protagonista y su rabia, la cual es el impulso que mueve al protagonista en su agotable travesía, las otras cuatro, nos señalan la situación en que es colocado el protagonista, como si se tratara de los diferentes puntos que tiene que llegar en su viaje, pero no hablamos de lugares geográficos, sino de un viaje interno, en donde vemos su transformación en rabia pura con una sed de venganza incontenible, una preparación para su batalla final.

El film es contado con mucho nervio, donde la cámara tiene un  gran papel  para transmitir tensión a lo largo de toda película; las escenas de acción como las peleas son frenéticas, no existe coreografía, todo es invadido por el caos y la violencia desmedida, siendo mostrada sin ningún tipo de restricción, de la manera más cruda y bestial. La escena de persecución en el barco es estremecedora, como si nos encontráramos en una película de terror.

El mafioso Myun -ga, es un personaje, que va cobrando más fuerza conforme avanza la historia, siendo el mismo diablo, una fuerza imparable, que no se detendrá hasta que todo caiga, quien será el gran escollo que tendrá que superar Ga-nun, para la finalización de su viaje, el cual se encuentra acorralado por diferentes bandos, aunque sabe muy bien cual que su destino está trazado, esto no impide en buscar respuestas para encontrar al responsable que desencadenó el horror.

El director pretende crear desconcierto en el espectador, dándonos la información en simultáneo con el protagonista, la cual es brindada poco a poco, armando el rompecabezas hasta colocar la última pieza, que nos devela el cuadro completo, el cual fue engendrado por la semilla del engaño. The Yellow sea es un Thriller admirable, con una clara crítica social, sobre el racismo, los prejuicios, y como un hombre es llevado hasta el límite para realizar lo impensable, que mantiene al publico expectante ante un nuevo giro en la historia.

THE RAID (2011)

SIN RESPIRO

Gareth Evans,  es un joven director gales, quien al realizar un documental sobre las artes marciales de indonesia, se quedo encantado con el mundo de las artes marciales en dicho país, sobre todo con la técnica del Pencak Silat, realizando su primera película de artes marciales, Merantau (2009), teniendo como protagonista a Iko Uwais, el cual es un experto en la práctica del Silat, quien fue animado en la actuación por el propio Evans, teniendo un gran éxito en Indonesia, lo que animaría a Evans a seguir con dicha temática, filmando The Raid, que ha recibo buenas críticas y gran aceptación, lo que ha asegurado una secuela.

La historia de The Raid, es muy simple, un escuadrón especial de asalto de la policía, quiere penetrar un edificio, con el propósito de capturar, a un jefe de un grupo criminal, que ha convertido el complejo habitacional,  en un Bunker, en donde controlará desde ese lugar, las acciones criminales  de la ciudad, siendo un prácticamente un rey, que no puede ser tocado ni por la Ley, ni por nadie. Por lo que, la incursión policial  significará un suicidio.

La película, es netamente de acción, contiene  adrenalina pura, donde los disparos, explosiones, saltos acrobáticos, las peleas, escenas limites, son los ingredientes principales, en esta propuesta del director gales,   que se convierte en una película de sobrevivencia, introduciendo tensión en los momentos que se bajan las revoluciones, siendo una montaña rusa de emociones, en donde los espectadores son llevados en un tren que nunca para, quedando pegados ante la espectacularidad de las escenas.

Contiene escenas memorable, como la presentación del Jefe de la mafia, que es realmente terrorífica, en la cual se introduce ciertas dosis de humor; en cuanto a las escenas de las peleas, estas están elaboradas con una  coreografía espectacular, sobre todo con el asesino del grupo criminal, que disfruta matar, pero más si lo hace con sus propias manos,  un personaje que se mueve por su propio código; los saltos de una escena a otra no da respiro al espectador.

The Raid, es una película de acción, que con una historia sencilla, llena de personajes tópicos, de bajo prepuesto, pero elaborado mucho talento, donde el movimiento de la cámara y su montaje, que le da un ritmo trepidante, produciendo una de las mejore películas de acción del año, siendo entretenimiento puro, que a veces es muy difícil ver en los cines en la actualidad.

THE DAY HE ARRIVES (2011)

VOLVIENDO AL MISMO LUGAR

Cuando un ve las películas de Hong Sang-soo, parece estar viendo una repetición de sus anteriores películas, en donde encontramos personajes cuyas edades rondan entre los 30 a 40 años, dedicados al cine o a las artes, sentimentalmente inmaduros con relaciones amorosas que muchas veces resultan tortuosas, teniendo conversaciones intrascendentes o a veces  filosóficas, acompañadas de mucha bebida y comida. Si bien en sus películas se encuentran los mismos elementos, sus historias son distintas aunque regrese a los lugares comunes, y esto es justo  lo que ocurre con su última película.

El director, nos ubica ahora en Seúl, en donde el protagonista,  Sungjoon, que es un director de cine que ha decidido dejar temporalmente la dirección. Ha viajado a dicha ciudad para encontrarse con un viejo amigo, es así que observamos como se transcurren un día tras otro, que inician y terminan en el mismo punto, que a veces parecen que los personajes se encuentran atrapados en un bucle temporal, pero en donde ocurren hechos distintos en cada día. Si bien existe una continuidad temporal de la historia, se deja la sensación que todo empieza de nuevo, presentándonos una variante del mismo día, lo cual resulta desconcertante y estimulante al mismo tiempo.


En el primer día, el  protagonista no se llega a encontrar con su amigo, por lo que decide deambular por la ciudad, encontrándose con tres estudiantes de cine, pasando en rato juntos hasta súbitamente de los deja, llegando a la casa de su antigua novia kyungjin, la cual le guarda un gran rencor, mostrándonos la personalidad infantil de ambos. La historia se retoma desde el punto de partida del primer día, en donde Sungjoon, se coloca en su puesto para empezar una historia, lo cual, recuerda a La Ronde de Max Ophüls, en los personajes son colocados por el director, para iniciar sus historias. En  este día, el protagonista si se encuentra con su amigo, presentándole una amiga que es cineasta y admiradora de Sungjoon, dirigiéndose al Bar Novel de propiedad de la joven Yejeon (que es interpretada por la misma actriz de interpreta a Kyungjin), mostrándonos  la cara de asombro de Sungjoon ante la llegada de la propietaria, que es el mismo asombro de los espectadores.

El director, juega con los personajes, los hace transitara en los mismos lugares, intercambia las situaciones y diálogos entre ellos. Expone un tema recurrente en sus filmes como las coincidencias, las existencias o no de las razones que estas ocurran. Sang-soo, brinda su visión acerca del amor, de la vida y el destino. Sus personajes son seres inmaduros, creíbles, cómicos sin proponerlo. Es por tal razón, que sus películas transitan en el genero de la comedia, en historias que no serian nada cómicas, sino fuera por la forma como enfrentan la vida los protagonistas.


La utilización del blanco y negro (la película fue filmada a color), le brinda una mayor sencillez a esta.  Utilización de planos fijos, del zoom, y de diálogos, que si bien pueden resultan muchas veces intrascendentes (los cuales recuerdan al cine de Godard),  estos resultan importantes en el cine de Sang-soon, ya que, tiene una clara intención de decirnos algo, no a través de la palabras sino del entorno  en que se desenvuelven los personajes, y es mediante los diálogos, se muestra la personalidad de los protagonistas, y sus contradicciones, que es un tema que trata el director en la película.


La película es narrada, a través de episodios, fragmentada por cada día que pasa el protagonista en Seúl, pero como ya lo señalamos con un gran sentido de continuidad, pero también de retorno, lo cual resultando una paradoja y contradicción que tanto los personajes y espectadores transitan. El director con un gran dominio mueve los hilos con una maestría, la cámara trasmite el desazón y soledad del protagonista, con una sencillez que estremece y sorprende. Su última película es un manifiesto, una respuesta a sus críticos, sobre lo reiterativo de su cine, demostrando que cada historia es distinta aunque se parta desde el mismo punto y con los mismos personajes.

HARA-KIRI : DEATH OF A SAMURAI (2011)

¿QUÉ ES EL HONOR?

Remake de Seppuku (1962) la obra de maestra de Masaki Kobayashi, dirigido por polifacético y polémico Takashi Miike. Se tiene que señalar que la película de Kobayashi, es una obra capital del cine de los samurais, desentrañando el código de Bushino en donde es el honor es más importante que la vida, el nombre se perpetúa  después de la muerte de un samurai, en donde aparte de tener una vida honorable, lo más importante es tener una muerte con honor. 

La historia, es prácticamente la misma, en donde un viejo ronin (samurai sin señor) interpretado por Ebizo Ichikawa, expresa su deseo de practicarse el seppuku, el encargado de la casa del Clan Li, le cuenta la historia de un joven ronin que vino a solicitar lo mismo, contándole los hechos dolorosos ocurrido al joven, pero esto no desalienta al viejo samurai en su decisión, su director le otorga ciertos matices que le brinda una personalidad propia, caminado por su propio sendero, el cual le lleva al mismo punto.

Miike, es un director que se caracteriza por dirigir películas violentas ya sea en los géneros de yakusas, policiales, terror o musicales, con imágenes muy descriptivas en cuanto a la sangre y desmembramientos, si bien sus historias puede llegar a situaciones que rayan con lo inverosímil,estos son creados bajos sus propio código para representar la realidad como Miike quiere expresar, algunas veces con buenos resultados y otras veces no tanto. Por lo que, resulta curioso que la película se encuentre contenida en cuanto las escenas violentas, existiendo todas las condiciones para que Miike se realice sus típicas danzas de sangre, pero este no lo hace, lo cual se encuentra justificado con el sentido de la película, que es la venganza de la dignidad perdida no de un samurai sino de un ser humano. 

Si bien el termino harakiri y seppuku, tiene el mismo significado para un mismo acto, el primero no tiene un uso frecuente en el Japon al ser considerado muy vulgar, a diferencia del segundo que le da un sentido más honorable. Miike va por el primer sentido, le despoja de la nobleza a la caracteriza dicha ceremonia, lo vulgariza, la vuelve más terrenal.Los códigos de honor pierden sentido cuando dicho código, carece de humanidad, se aparta de los sufrimientos de los demás, convirtiendo a los samurais en guerreros de un falso honor. 

En su anterior remake de Miike, 13 asesinos (otro clásico del cine de samurais), los protagonistas son samarais, que deciden saltarse los códigos que los rigen, para alcanzar la justicia que no puede ser obtenida de manera regular, ellos no son esclavos de su código, sino guerreros de la justicia, donde el bien común es más importante que un código, dando su vida por una causa noble. En la película se nos cuenta una batalla más pequeña, de un hombre acorralado por la fatalidad, que lucha día a día para proteger a su familia, teniendo como enemigos a la miseria y la indolencia, dando el mayor de los sacrificios con valentía de un verdadero guerrero. 

La película nos envuelve con el padecimiento de los protagonistas, llegando a su conclusión, la cual dista un poco de la película original, pero manteniendo el mismo espíritu. a diferencia de la utilización de la lluvia para otorgar dramatismo en las batallas, la nieve aquí se convierte en un elemento purificador, otorgando una escena memorable que se encuentra no sólo entre lo mejor en el cine de Miike, sino en el género de los samurais, presentándonos a un director más maduro, que construye una puesta escena magistral, Hara-kiri es una película dolorosamente apasionante.

COLINAS CIEGAS (2007)

DE ESPALDA A LA REALIDAD

Mang shan (Las colinas ciegas), escrita y dirigida por Li Yang, nos cuenta la historia de Bai, una joven universitaria, que para ayudar a su familia,decide conseguir un empleo yendo a los pueblos campesinos, para realizar un estudio, pero todo será una trampa de unos traficantes de mujeres, que la venderán para que sea la esposa del menor hijo de una familia de campesinos.

Como si se tratase de un personaje kafkiano, la protagonista no entenderá con lo que esta pasando, siente que es víctima de un mal entendido, que si va a las autoridades su situación se solucionará, pero se encontrará que este tipo de ventas, es una costumbre arraigada en la mentalidad de los campesinos, que a su vez se da con la anuencia de las autoridades, desde ese momento se percibe la impotencia al buscar una justicia en un lugar en donde sus gritos nunca serán escuchados.

El director, nos presenta la cruel realidad que le toca vivir a la joven Bai, somos testigos, que ella tan sólo es otra víctima más de esta costumbre barbara de una China que le da la espalda a la realidad, en donde se intuye que la madre de su marido, también fue secuestrada, siendo justamente ella, la que tratará de hacerle entender a Bai, que no hay escapatoria, lo único que queda es resignarse a la futura vida que le espera con su nuevo marido, pero ella no se resigna, cree fervientemente que alguien vendrá ayudarla, vive pendiente de la esperanza, siendo la única arma, que le servirá para enfrentar tanta injusticia.

Se nos coloca en hermosos paisajes, que se contrapone con el horror que se nos cuenta, la película si bien es un fuerte drama social, su tratamiento es más cercano a un thriller de terror, en donde, los aldeanos, están organizados para conservar su Status Quo, y no se vea afectada su forma de vida, todo un pueblo en contra de una mujer, que recuerda a películas como The Wicker Man, en donde todo un pueblo son testigos y actores de crímenes.

La película, es dura, y va directo a tratar de crearnos preguntas a cerca de lo que vemos, ¿A veces no somos testigos de determinados hechos, y lo mejor que hacemos es apartar la mirada y continuar con nuestras vidas?, consideramos algunas cosas inamovibles, que deben ser así, porque siempre fueron así; el film es un drama estremecedor, en donde todo parece que no existe salida, a algo que es más grande que nosotros mismos, una excelente reflección que nos regala Li Yang, en su segunda película.

PLATFORM (2000)

DENTRO DE VEINTE AÑOS TODO SEGUIRÁ IGUAL

Dirigida y escrita por el realizador chino Jia Zhangke, el cual tiene el lamentable honor de que todas sus películas no han sido estrenadas en país natal, ya que estas no pasan el filtro de la censura, debido a que la tematica de sus películas, tiene un alto contenido social, en donde sus protagonistas son jóvenes mayormente, en donde se muestra el descontento por la realidad en donde viven, y el choque generacional, con respecto a las tradiciones y la influencia de la cultura occidental, esto se ve en Unknown Pleaures, The World, Xiao Wu y sobre todo Platform siendo una clara critica al sistema y cultura China, en donde la juventud rural se encuentra atrapada en las tradiciones.

Platform (Plataforma), narra la historia de un grupo aficionado de teatro rural,que va de pueblo en pueblo presentado su espectáculo,se nos va presentando a los integrantes de este grupo, el cual esta constituido por jóvenes, ambientada en la década de los ochenta, los protagonistas tendrán distintas formas de ver la vida, haciendo patente los conflictos por los cambios en la sociedad, en donde los jóvenes buscaran cosas nuevas, estando influenciados por la cultura occidental, como los jeans, peinados y música.

El grupo teatral, entrará en una nueva etapa, en el periodo de cambios, en donde entra en este mundo la privatización, por lo que uno de sus miembros, comprará la compañía teatral, convirtiéndose en un grupo de Pop-Rock, es así que se suceden estos cambios, se manifiesta la rebeldía en estos jóvenes, de no continuar con la forma de vida de sus padres, de hacer un cambio drástico en sus vidas, el buscar una vida mejor.

Jia Zhangke, mediante planos fijos, o movimientos lentos de la cámara, nos va metiendo en el mundo caótico,tan externamente como internamente, en un grupo de jóvenes, que buscan su propia identidad, siendo cada vez más confusa su vida, Paltform, es una critica al sistema chino, a esa absurda idea de pensar que se puede controlar todo, las personas mayores son vista como intolerantes, anquilosados en las tradiciones, que nos le permite buscar una mejor situación, en donde la lucha por el cambio es una batalla perdida antes de iniciarla, ante un sistema que te absorbe, que sólo busca acallar sus voces.

La cámara se posiciona, es un personaje mas, que va siguiendo a los protagonistas, es un trabajo realizado con una gran sutiliza, demostrando un gran realizador detrás de las cámaras, el cual nos da una mirada triste, sobre un futuro que nunca llega, donde el tiempo es estático o tan sólo este vuelve a empezar, como si se tratase del mito de Sisifo.

SEPPUKU (1962)

KOBAYASHI EL MÁS UNIVERSAL DE LOS JAPONESES

Es muy difícil, comentar esta película, sin primero, explicar sobre los antecedentes históricos en el periodo que es narrada, la misma que se desarrolla en el siglo XVII, es por tal motivo que paso hacer un pequeño resumen de histórico. En el periodo medieval japonés, existió una gran inestabilidad de gobierno por los continuos conflictos y guerras entre los clanes, en el Señor Shogun, era el encargado de mantener el orden en el país, este periodo de gran inestabilidad en la historia de Japón se llamó, periodo de los estado de guerra, por lo cual la figura del Samurái, como un guerrero ligado a un señor, tuvo gran importancia, pero esto cambio con la instauración del shogunato Tokugawa en el siglo XVII, llamado Tokugawa Ieyasu, quien al convertirse en la máxima autoridad, luchó por reducir los privilegios y estatus social de la clase guerrera, es decir de los samuráis, además de producir un periodo de paz que constituyó casi dos siglos en el Japón, pero que perjudico grandemente a los samuráis, que prácticamente desaparecieron como guerreros, y muchos dejaron de servir algún señor, por lo que pasaron penurias, algunos llegaron al extremo de solicitar a algunos señores feudales practicarse el Seppuko (Harakiri) en sus casas, con la intención que le dieran dinero o para que le ofrezcan trabajo a cambio de que no se maten.

Masaki Kobayashi, uno de los grandes directores japonés de toda la historia, lamentablemente no dirigió muchas películas, pero cada una de ella constituyen un testimonio palpable de los ideales y principios de su director, películas tales como Seppuku, La trilogía de La condición Humana, Samurai Rebellion y Río Negro, que eran eminentemente humanistas.

La primera escena de la película, nos muestra una fantasmal armadura samurái, despues la camara hace un recorrido por la casa de un señor feudal (Castillo de Iyi), seguidamente se escucha la lectura de un diario de dicha casa, en donde nos dice que en ese día, todo transcurría con normalidad, hasta la aparición de un extraño guerrero (Tsugumo) que solicita practicarse el Seppuko, ante este pedido se le concede una entrevista en el señor de casa, por lo que pasara a contar la dolorosa historia de un joven samurái, que también vino a practicarse el Seppuko en dicha casa, a lo que Tsugumo, escuchara atentamente, reafirmando su decisión de matarse.

La historia es contada con un aura de misterio, sobre las verdaderas intenciones del extraño guerrero, a través de flashback, en donde cuenta como el dice la historia de su vida, por lo que poco a poco se van desentrañando el misterio que rodea a este hombre, la película es un prodigio en todos los aspectos, tanto en dirección, edición, guión, actuación, fotografía, que uno no puede dejar de conmoverse por lo bien estructurada que esta la historia, tan milimétricamente construida, los encuadres de una simetría perfecta, los primeros planos, los barridos, picados, en donde el uso del blanco y negro llega a una de sus máximas expresiones, estamos ante una obra arte irrepetible, inolvidable, de gran belleza plástica.

El director, nos cuenta la trágica historia de dos hombres, pero principalmente nos cuenta sobre el honor de dichos hombres, pero no sobre el honor Samurái, que sólo constituyen palabras huecas, sino se practica con humanidad, es así que la película es un bello y al mismo tiempo duro alegato, en contra de la deshumanización, no es una crítica al código samurái, como mal se puede entender, sino una crítica a la cobardía, el deshonor disfrazado por el cumplimiento de un código, si decian que Kurosawa era el más occidental de los japones, Kobayashi era el más universal de todos.

LLUVIA NEGRA (1989)

HIROSHIMA, HIROSHIMA ¿DONDE ESTAS?

Shohei Imamura, director que realizo sus trabajos en el periodo clásico japones junto con Mizoguchi, Kurosawa, Naruse, Ozu, entre otros, extendiéndose hasta el 2002, su cine nos muestra los cambios de las costumbres japonesas, con la occidentalización, muchos de ellos son una denuncia sobre la sociedad, Imamura fue ganador dos veces de la palma de oro por el Remake La balada de Narayama (1983), y La anguila (1996), la primera es un relato sobre las costumbres de un pueblo que en la cual, tiene como tradición que los ancianos que cumplen 70 años tienen que ser abandonados en las montañas, en la segunda es sobre un ex convicto que asesino por celos a su esposa y al amante de esta, en ambas nos presenta un choque entre la tradición con las nuevas ideas, Imamura cuestiona las costumbres, a la sociedad, pero de manera silenciosa.

El inicio de ¨Lluvia negra¨ (Kuroi ame), es con la toma de toda la Isla Hiroshima en silencio, ubicándonos en el día del lanzamiento de la bomba atómica, las siguientes escenas, son de los pobladores que realizan sus tareas como cualquier día, pero después un breve momento, se inunda la oscuridad en la pantalla, acto seguido la destrucción y el caos, Hiroshima ya no existe, sólo quedan escombros, en donde los sobrevivientes, creen haber llegado al infierno.

Las primeras escenas son las más conmovedoras y arrebatadoras que haya visto en muchos años en una película, transmiten el desconcierto, la impotencia sobre una de las mayores tragedias que ha vivido no sólo Japón si no la humanidad, el uso del desenfoque en las primeras escenas de la explosión, dan una sensación de estar ante una pesadilla, la dirección y fotografía tiene un tono clásico, siendo un gran punto a favor de esta.

Después de la explosión se produce la Lluvia negra, hecho que le da titulo a la película, y que constituye el elemento más importante a largo del film, en la consecuencia que generó en los años con los sobrevivientes, siendo una de las personas expuestas a esta lluvia, Yasuko, la protagonista de la película, que habiendo quedado huérfana, es acogida por la familia de su Tío, el que la quiere como una hija, buscando que forme sus propia familia, pero esto no será una labor muy fácil, a pesar que Yasuko es una bella joven, pero existen cuestionamientos sobre su salud, que no hacen una buena candidata para el matrimonio.

Es así, que la historia, nos va trasladando a los días de la tragedia de Hiroshima, mostrándonos la locura del ser humano, su capacidad destructiva, que a veces parece que no tiene limites, nos cuenta los efectos que radiación,la convivencia, la intolerancia, el prejuicio,las víctimas, ya nada volvería ser igual, se podrá reconstruir la ciudad, los edificios, las calles, pero una vida destrozada no puede ser reconstruida, esto es lo que Imamura no narra, nos lo restrega en la cara, nos lo grita con el silencio, con ese estoicismo japones, los protagonistas cumplen con su deber de ser víctimas, que aceptan su destino.

Se trata de una de las mejores películas antibelicistas de los ochenta, sino la mejor, con una gran trabajo de dirección, una fotografía extraordinaria, una historia que atrapa y sacude al espectador de principio a fin, cuando el mensaje llega de una manera tan clara y dura, es difícil sentirse indiferente.

COME DRINK WITH ME (1966)

LA LEYENDA DEL DRAGÓN

Ahora me toca hablar de una película crucial en el genero de las artes marciales, sin ser un experto en este genero, no puedo dejar de reconocer la calidad de este Film, la cual es una de la primeras películas de la casa productora Shaw Brothers y, del celebre King Hu, director de películas tales como A touch of Zen y Dragon Inn, esta última homenajeada por el director taiwanes Tsai Ming Liang, en la magistral Good Bye, Dragon Inn.

La historia inicia con el secuestro con el hijo del gobernador, que tiene como único fin el intercambio con un bandido, por lo que al rescate ira su hermana conocida como la Golondrina Dorada, interpretada por Pei-pei Cheng, actriz que pudimos ver en El Tigre y el Dragón, para esto contara con la ayuda de un vagabundo, borracho que no es lo que aparenta, produciéndose una serie de elaborados combates, para el disfrute de los amantes de las artes marciales y por que no del cine también.

Como ya es conocido, en las películas de artes marciales, el humor es uno de los elementos siempre presentes en este tipo de películas, y justamente el existe un gran equilibrio entre la acción y la comedia, a veces se entrecruzan, como en la escena de la cantina, siendo un gran momento cómico y bien coreografiadas.

La película es un prodigio en lo que respecta a los combates, contada de manera dinámica, y con humor, que hayan hecho de esta un film de culto para los fans de las artes marciales, y que debe ser descubierta por los amantes del cine, tuve la oportunida de adquirir el DVD, sin saber de lo que me esperaba ver, la edicion trae entrevista con el director y algunos personajes del mundo del espectaculo que hacen comentarios sobre esta pelicula, y el imptacto que les ocasiono en us momneto.