TAKE SHELTER (2011)

                                                                                              

SE VIENE UNA TORMENTA

Jeff Nichols  joven director norteamericano de apenas 30 años, que se dio a conocer con su primera película Shotgun Stories (2007), que era un thirller con un fuerte contenido dramático,  en donde la venganza era su principal motor. En su última película tenemos a Curtis LaForche (Michael Shannon), un obrero de la construcción, que se encuentra casado con Samantha (Jessica Chastain), quienes tienen una pequeña hija llamada Ana que es de sorda de nacimiento, su vida transcurre con normalidad en su pueblo, siendo mayor preocupación la salud de su hija, que tiene un comportamiento muy introvertido. Pero tranquilidad de sus vidas se ven afectadas por los sueños de Curtis, alterando su comportamiento.

Los sueños de Curtis, se vuelven más contantes y violentos, confundiéndose entre el sueño y la realidad,  añadiendo a esto  el pasado de su madre, que acrecentaran sus dudas  sobre su cordura. Curtis siente que sus sueños son que eso, existiendo elementos que hagan creer, que dichos sueños como un anuncio de una tragedia que se avecina hacia su pequeño pueblo de Ohio. Buscando la mejor manera de proteger a su familia, convirtiéndose en una obsesión, lo cual trae graves problemas con las personas que lo rodean. Es así, que tenemos a un Noe moderno que predice una catástrofe, ante la mirada escéptica de los demás.

La película, nos mantiene expectante al igual que el protagonista, a que ocurra lo anunciado en los sueños, generándose una tensión a lo largo del visionado, en donde el trabajo de Shannon en su interpretación de un hombre consumido por las dudas y el miedo, perturbado por un pasado que no quiere repetir, es notable. Shannon le otorga una gran carga emocional, con su rostro y los movimientos de su cuerpo, brindando una actuación realmente entregada.

Si en la película El campo de los sueños (1989), el protagonista contra toda lógica construye un campo de beisbol en su granja porque se lo dice una voz, aquí tenemos a un  hombre que gastas su dinero en un refugio para tormentas, por los sueños que tiene, pero teniendo resultados muy distintos, en esta el miedo se aloja en el protagonista, ese miedo de perder todo lo que verdaderamente importa, que es su familia.

Conforme avanza la historia, es imposible que no venga a nuestra mente películas como El caballo de Turin (2011) y Melancholia (2011), que guardan relación, ya que estas hablan sobre el fin del mundo, claro de una manera distinta, aquí somos testigos de la destrucción del mundo de Curtis, en donde su obsesión va deteriorando justo lo que quiere proteger,  que es su familia, envolviéndose  en una paradoja que le es difícil de salir. Es decir nos encontramos en una catástrofe distinta a la anunciada en los sueños.

Nichols logra una película atrapante desde su primera escena, en la cual vemos a un hombre mirando el cielo, con un rostro de extrañeza, la lluvia en ese momento se convierte en una amenaza. Estamos ante un drama familiar, que se introduce en los géneros del thriller y hasta el terror, ese terror a lo que no se puede controlar ni prever,  creando una atmósfera de desasosiego y tensión. La seguridad sobre la realidad pende de un hilo, la amenaza se encuentra presente en cada momento, somos participes de la espera del día anunciado que no llega.

EL CABALLERO DE LA NOCHE ASCIENDE (2012)

UNA REVOLUCIÓN GÓTICA
El caballero de la noche asciende, del directo Christopher Nolan, tal vez se trata de la película más esperada del año, y esto se debe al enorme éxito de crítica y taquilla de su antecesora El Caballero de la Noche (Segunda parte de la Trilogía del hombre murciélago), en donde el villano el Jocker interpretado por el fallecido Heath Ledger, se gano su espacio en salón de la fama de villanos de antología, por lo que, la valla era muy alta para esta película, generándose grandes expectativas e interrogantes.

La anterior película, se sostenía sobre el personaje del Jocker, el cual se adueñaba por completo de la película, aun cuando no se encontraba en la escenas, su presencia era permanente, siendo un villano fascinante lleno de matices, convirtiéndose en el amo y señor del caos, por lo que, la tarea no era presentar un villano digno de Batman (Christian Bale), sino digno del Jocker de Ledger, un enemigo capaz de destruir el espíritu del héroe.

La historia empieza 8 años después de la muerte del Fiscal de Distrito Harvey Dent y coincidentemente también la desaparición del Batman de ciudad Gótica, en donde Dent es considerado un héroe de la lucha contra el crimen y Batman en su verdugo. La muerte de Dent trajo la paz en la ciudad, no siendo necesaria ya la presencia de Batman, la desaparición de nuestro héroe, lo que ocasiona también la reclusión de Bruce Wayne, que siente que ya no tiene un lugar en un mundo de paz. Es aquí donde Nolan, empieza a desarrollar la historia, mostrándonos en Wayne acabado, consumido por la pena y culpa, un hombre que deambula como un fantasma, siendo un simple vestigio de lo que algún día fue.

Pero, el despertar de Batman se produce con la aparición de un nuevo villano llamado Bane (Tom Hardy), que es presentado como el líder un grupo mercenario, el villano en cuestión, a diferencia del Jocker, Bane es fuerza y estrategia,  es un fiel creyente de su causa, es predicador que enseña a través del ejemplo, el ejemplo de la destrucción moral y física. En esta nueva entrega permanecen los personajes relevantes en la vida de Wayne y Batman, además de la aparición de nuevos personajes, como son la ladrona Selina Kyle (Anne Hathaway), el joven policía Black (Joseph Gordon-Levitt) y la filántropa Miranda Tate (Marion Cotillard), quienes tendrán un papel importante en la historia.

La historia se convierte de un enfrentamiento de un grupo de criminales, en una  lucha revolucionaria, en donde es implantado el régimen del terror, realizando su director  una clara referencia a la revolución francesa, utilizando los términos ¨ciudadanos¨, ¨tribunales del pueblo¨, además del despojo de los poderosos de sus riquezas, hasta tener su propia ¨toma de la Bastilla¨ liberando a los ¨oprimidos¨ (criminales) por el sistema de ciudad Gótica, donde la imagen de Batman, ya no es el de un vigilante, ni de un héroe sino de un libertador, el murciélago es el nuevo símbolo de la esperanza, oprimida por la tiranía.

Si bien, el cine de Nolan se caracteriza desde sus primeras películas, en otorgar giros argumentales, buscando la sorpresa en el espectador, abusando algunas veces de esos giros en desmedro de la verosimilitud, lo cual resulta perjudicial en la historia, hecho que no ocurre aquí, no porque la historia peque de inverosímil, sino que el espectáculo es tan impresionante, que nos vemos atrapados en la ilusión representada por su director. Nolan se convierte en un  maestro de ceremonias de un gran espectáculo de explosiones y fuegos de artificios, en donde la banda sonora compuesta por Hans Zimmer genera intensidad y fuerza a las escenas. Ya no nos encontramos ante la profundad de la anterior película, aquí las escenas de acción son más espectaculares y abundantes, construyendo una monumental puesta de escena de destrucción y caos,  pero dicho camino que sigue el director, no hace que sea mejor  o peor película que el Caballero de la noche, tan sólo se trata de dos propuestas distintas, que sigue más en la línea de Batman Inicia, en donde consigue con su cometido, el cual es entretener, que es el fin de toda película desde el origen del cine.

THE YELLOW SEA (2010)

HAY UNA EPIDEMIA DE RABIA

El director sur coreano Na Hong-jin, nos sitúa en Yanji, ciudad autónoma de la República Popular  China, que es un punto fronterizo entre Corea, China y Rusia, en donde la población mayoritaria de coreana, quienes son relegados en China, buscando fortuna en Corea del Sur, dicho lugar es el punto de partida de un viaje de sangre y violencia que realiza el protagonista, es un taxista Ga-num (Ha jung-woo) que tiene deudas con mafiosos, debido a la adicción al juego, lo cual se convierte en un círculo vicioso, además que su esposa se fue en busca de trabajo en Seúl, sin saber noticias sobre ella, poniéndolo al límite de sus fuerzas.

Dicha situación es aprovechada por el mafioso Myun-ga (Yun-seok Kim), que le propone realizar un crimen para poder pagar sus deudas y si es posible recobrar a su esposa. En Shaser (2008), primera película del director, nos contaba la historia de un proxeneta, un sujeto de lo más despreciable, que se ve envuelto en una la persecución de un asesino en serie, en donde una persona común es puesto en una situación extraordinaria, siendo una víctima de las circunstancias, bajo esta misma premisa, es que se va desarrollando la historia, como si nos encontráramos en un film de Hitchcock, pero nos encontramos ante una película coreana, por lo que, los golpes, cuchillos, machetes, peleas y sangre y mucha sangre están presentes.

Se puede decir que la historia se encuentra divida en cinco partes, la primera que es la introducción, donde se presenta al protagonista y su rabia, la cual es el impulso que mueve al protagonista en su agotable travesía, las otras cuatro, nos señalan la situación en que es colocado el protagonista, como si se tratara de los diferentes puntos que tiene que llegar en su viaje, pero no hablamos de lugares geográficos, sino de un viaje interno, en donde vemos su transformación en rabia pura con una sed de venganza incontenible, una preparación para su batalla final.

El film es contado con mucho nervio, donde la cámara tiene un  gran papel  para transmitir tensión a lo largo de toda película; las escenas de acción como las peleas son frenéticas, no existe coreografía, todo es invadido por el caos y la violencia desmedida, siendo mostrada sin ningún tipo de restricción, de la manera más cruda y bestial. La escena de persecución en el barco es estremecedora, como si nos encontráramos en una película de terror.

El mafioso Myun -ga, es un personaje, que va cobrando más fuerza conforme avanza la historia, siendo el mismo diablo, una fuerza imparable, que no se detendrá hasta que todo caiga, quien será el gran escollo que tendrá que superar Ga-nun, para la finalización de su viaje, el cual se encuentra acorralado por diferentes bandos, aunque sabe muy bien cual que su destino está trazado, esto no impide en buscar respuestas para encontrar al responsable que desencadenó el horror.

El director pretende crear desconcierto en el espectador, dándonos la información en simultáneo con el protagonista, la cual es brindada poco a poco, armando el rompecabezas hasta colocar la última pieza, que nos devela el cuadro completo, el cual fue engendrado por la semilla del engaño. The Yellow sea es un Thriller admirable, con una clara crítica social, sobre el racismo, los prejuicios, y como un hombre es llevado hasta el límite para realizar lo impensable, que mantiene al publico expectante ante un nuevo giro en la historia.

MIENTRAS DUERMES (2011)

BUENOS DÍAS TRISTEZA

Jaume Balagueró, director español se ha convertido en un especialista de los géneros del terror y thriller, con su primera película, Los sin nombre (1999), ya daba muestra de un talento de crear en sus películas una atmósfera  de tensión, teniendo como referencias a las películas clásicas de terror, como The Haunting de Wise y The innocents de Clayton, donde el miedo se desencadena por lo que no se ve, las asombras que acechan, que perfeccionó en REC (2007), al mejor estilo de las películas de Zombies. Es un director que se alimenta mucho del cine de terror, conociendo todas claves y códigos de dicho género, lo cual se ve perfectamente en sus films.

Mientras duermes, nos cuenta la historia de César (Luis Tosar), que es el portero de un edificio habitacional, que carecer del sentimiento de felicidad, que la única forma de llenar el vació de su vida, produciendo la infelicidad de los demás, centrando su mirada en la inquilina Clara (Marta Etura). César al tener acceso a los cuartos de los inquilinos, ha ideado un plan poder dormir todas noches con Clara, sin que ella se percate de ello. Teniendo un inicio que recuerde a  Cuatro noches con Anna de Jerzy Skolimowski, pero van tomando distancia cuando más avanza la historia, ya que, el film de Balaguero es un oscuro thriller, a diferencia de la película de Skolimowski que es un fuerte drama.

Si con REC  los monstruos se manifiestan a simple vista, el ataque es frontal, aquí el monstruo se encuentra escondido, acechando en las sombras para atacar a su víctima, bajo un disfraz de inocencia, Luis Tosar interpreta a un villano perverso, frío, se siente una víctima de su infortunio, un enfermo incurable, que sólo puede paliar su padecimiento con el sufrimiento de los demás, sobretodo el de Clara. César es un personaje amoral, que es capaz de realizar las peores acciones para lograr su cometido, no hay sentimiento de culpa, tan sólo el deseo de apaciguar su dolor, no hay ningún atisbo de humanidad en su interior, presentándonos un monstruo de dimensiones colosales.

La película, empieza como un drama sobre la soledad de un hombre, sobre su lucha diaria para no caer en la total depresión, en buscar un motivo para continuar, una razón que le permita sobrevivir. En su búsqueda encuentra a su musa, a su inspiración para vivir, su víctima ideal. Es aquí, cuando vemos la verdaderas intenciones de César, es como un vampiro que se alimenta de la infelicidad, trata de destruir cualquier rastro de alegría. Se convierte en una historia de amor enfermiza, en donde el monstruo quiere robarle todo, y traerla a su mundo, con grandes cargas de tensión y suspenso. 

La historia no es contada a través de los ojos de César. El director nos convierte en testigos de la oscuridad del protagonista, de su dolor, sus miedos, su soledad; nos trata de acercar a su mundo para conocerlo,  somos cómplices de su patología. Balaguero realiza una película de suspenso puro, que se respira durante todo el metraje, donde la presencia de César es permanente, como una manta que lo cubre todo. Teniendo sin lugar a dudas una las mejores thriller de la actualidad.

LES LYONNAIS (2011)

LEALTAD A PRUEBAS DE BALAS

Olivier Marchal, director francés que se ha convertido en la actualidad en un especialista en el género policíaco. Cabe precisar que el propio Marchal fue agente de policía, dejando dicho oficio, por el miedo que le generaba el trabajo, abrazando posteriormente la actuación y dirección, es tal vez la razón que su cine se centre en ese género. 

Su conocimiento sobre el mundo policial, permite brindar en sus películas muchos detalles sobre las investigaciones policiales, como la forma de actuar de los criminales, mostrándonos los códigos en que se rigen ambos bandos. Marchal trata de presentar una mirada objetiva de sus personajes ya sea policías o criminales, en donde la línea que los separa es prácticamente imperceptible. 

En las películas anteriores del director, MR 73 y Asuntos pendientes, la historia se centraba en las vivencias y conflictos de los agentes policiales, en su última película, Marchal, cruza la vereda del frente, y nos cuenta la historia de Les Lyonnais, que es una banda criminal de asaltantes formada en la decada de los setenta,dirigida por Edmond Vidal (Gérard Lanvin) alias ¨Momon¨, la pelicula se nos es narrada con constantes flashback el origen en el mundo criminal de Momon y sus amigos, sobre todo Serge su mejor amigo, en donde la historia tiene su detonante con la detención policial de Serge, debido a lo cual, Vidal volverá de nuevo a la carrera criminal que había jurado no regresar, pero la amistad y lealtad pesan más, y decide liberar a su amigo a sangre y fuego. 

La película, recuerda al cine de Melville, sobre todo El círculo rojo y Crónica negra, de aquellos criminales imperturbables y fríos, que mantienen un código de honor y lealtad que no puede ser roto, y cuando la traición ocurre, uno debe de aceptar con dignidad de dicha deshonra; también a los policías obsesionados en atrapar a los criminales utilizando cualquier recurso ya sea legal o no para lograrlo. Pero también trae a la memoria a la saga de El padrino por algunas escenas y el uso de flashback, (El bautizo del nieto de Momon, la fiesta en su familia,  la historia de su origen), que no son simple casualidad, siendo un referente claro en su cine.

Marchal va construyendo la película, en base a la figura de Vidal y su código de honor, sus acciones se van moviendo de acuerdo a las enseñanzas que fueron inculcadas desde niño, y que son mostradas a través de Flashback, que le dan un gran sentido a la película, con una narración dinámica y concisa contándonos tan solo lo necesario para saber lo que ha ocurrido y ocurrirá. Les Lyonnais, es una película magnética, en donde los diálogos no son extensos ni grandilocuentes, sino cortos y contundentes, las imágenes dominan la pantalla, brindándonos un espectáculo memorable. Es sin ninguna la mejor película hasta de fecha de Marchal, que esperemos siga por esta senda.

NE LE DIS À PERSONNE (2006)

DE ENTRE LOS MUERTOS

Segundo largometraje del joven director francés Guillaume Canet, que es una adaptación de la novela Tell no one, del escritor norteamericano Harlan Coben. Canet a pesar de contar con pocas películas, actualmente goza de muy buena opinión de la crítica y acepción del público, sobre todo por su última película ¨pequeñas mentiras sin importancia¨, que ha sido una de las películas más taquilleras de 2010.

Ne le dis à personne (titulado en español como No se lo digas a nadie), es un thriller que tiene como punto inicial el asesinato de la esposa (Margot) del protagonista Alex, un pediatra que aun no ha podido rehacer su vida después de los 8 años de lo ocurrido, la sentirse culpable por no haber hecho nada para salvarla. Pero un día los fantasmas del pasado volverán a perturbar al Alex, despertando el deseo de conocer la verdad sobre lo ocurrido a su esposa Margot. Podemos encontrar en la historia alguna reminiscencia de Vértigo de Hitchcock, en la obsesión en el recuerdo de la mujer amada y el sentimiento de culpa que acompaña al protagonista.

Alex Beck tal como el personaje de Ralph Fiennes en El jardinero de Fiel, busca la verdad, aunque pueda ser incomoda y dolorosa, moviéndolo el amor que tenia por su esposa, es su único motivo para seguir en un camino se vuelve cada vez más peligroso, en donde va encontrando más preguntas que respuestas, el misterio crece conforme avanza la historia. Canet mueve los hilos con maestría, dando una historia con mucho ritmo, en donde no da respiro al espectador, todos los personajes tienen un función dentro del desarrollo de la historia, son piezas que son utilizadas con sutiliza y discreción en la trama, no hay dado dejado al azar, todo está construido de una forma articulada, para brindarnos un film potente.

La historia nos presenta una batalla de un hombre por desentrañar la verdad y otros en ocultarla, movidos por el mismo sentimiento, en donde harán uso de la fuerza, realzando crímenes para lograr sus objetivos, estando dispuesto a sacrificar hasta su propia conciencia, a veces la verdad es un arma que nos va destryendo dia a dia. Ne le dis à personne es un thriller sin pretensiones, que nos quiere imbuir en el misterio, pero al mismo tiempo conmovernos por la historia de amor que hay detrás, de lo mejor en su género en los últimos años.

SHUTTER ISLAND (2010)

BUSCANDO UN MONSTRUO

Martin Scorsese, uno de los más grandes directores de la actualidad, y uno de los mejores directores de la historia, al que la academia, le hizo un reconocimiento tardío a su talento, entregándole el Oscar por el remake de un film hongkones, Scorsese fue director que salió de las escuelas de cines, al igual que Coppola, Lucas, Spielberg, en la década de los 70, que fueron los generadores de darle un nuevo giro al cine americano de esa época, Scorsese en los últimos años, está comprometido con la conservación de los filmes americanos, que demuestran su gran pasión por el cine, además de ser un gran devorador de cine.

Shutter Island, el último trabajo de Scorsese, no sitúa en 1954, dos agentes del FBI (Di Caprio y Mark Ruffalo), son asignados al caso de la desaparición de una interna (Rachel) del hospital psiquiátrico Ashecliffe ubicado en la isla Shutter, en dicho hospital se encuentran alojados, criminales con enfermedades mentales, su búsqueda sera su principal misión, o eso parece al principio, el director, nos va sumergiendo a través de una banda sonora sobre cargada desde el inicio, en donde nos va adelantando que algo tenebroso se oculta en la Isla.

Mucho se habla, de que la película es un homenaje al Gabinete del Dr. Caligari, Corredor sin retorno de Fuller, se podría decir, que ambas películas tiene cierta influencia,tanto temática como estéticamente, pero en donde se ve una gran influencia, la cual se respira en todo el film, es el cine de Hitchcock, el homenaje es constante, los movimiento de cámara, los ángulos de los planos, el desarrollo de la trama, un protagonista, que tiene un pasado que lo afecta en el presente, nos muestra el laberinto que debe recorrer el agente del FBI para encontrar la verdad, a través de las pistas, que nos va develando poco a poco el misterio de la Isla, y que uno ve venir a mitad de esta, al igual que Hitchcock, Scorsese no le da importancia a lo que cuenta si no como lo cuenta, nos va situando en la mente del protagonista, la certeza cada vez es más débil, nuestro mundo se desploma pedazos, y no lo ponemos contener, somos partes del ese juego mental, la historia logra traspasar la pantalla y meterse en nuestras mentes.

Es así, que Socorsese, sacude al espectador con las imágenes, nos obliga a que nos mantengamos atentos a cualquier mínimo detalle que pase en la historia, imprime la tensión a cada paso que toma el protagonista, recuérdese la escena de los calabozos, en donde Di Caprio, interroga a uno de los internos, intercalándose momentos de oscuridad total y la luz de una cerilla,verdaderamente notable; la película es el viaje que realiza el protagonista para encontrar la verdad, y es su director el que nos lleva a ese mundo, Scorsese ha logrado un trabajo impresionante y cautivante, una de la últimas joyas del maestro.

EDEN LAKE (2008)

A LA VUELTA DE LA ESQUINA

Opera prima del director británico James Watkins; la historia trata sobre una joven pareja que decide pasar unos días en un apacible lago, en el campo, este viaje servirá de excusa para que Steve (Michael Fassbender), le pida a su novia Jenny (Kelly Reilly)casamiento, pero al igual que en Deliverance, la tranquila del campo se ve afectada, al darse cuenta que no se encuentran solos.

Tendrá como nuevos vecinos a una pandilla de niños, el personaje de Steve, que un hombre ya maduro de treinta años, sera humillado delante de su novia, por un grupo de niños, recuerda al personaje de Dustin Hoofman en Perros de paja, en donde una persona civilizada y racional, es rebasada por el salvajismo de otros, en donde tan solo le queda aceptar, su derrota ante las pequeñas riñas, pero estas riñas, se convertirán en un juego, que se tornara cada vez mas peligroso,produciendo el descontrol de la situación.

Watkins, nos muestra el terror de lo cotidiano, ese terror posible en la realidad, es ahí, en donde nos encontramos en un film perturbado para nuestros sentidos, nos trasmite ese miedo a lo posible, que no se encuentra en los monstruos creados en la imaginación, sino cercano por los monstruos del mundo real,en donde la sinrazón se apodera del ser humano.

El director, logra imprimir tensión en cada escena, con ritmo narrativo frenético,en donde en cada momento es un salto de emociones, que el espectador no puede de dejar de apartar la mirada en lo que esta pasando,no hay descanso cuando el juego de la cacería humana inicia, tan solo nos queda esperar un nuevo sobresalto en nuestro asientos.

El film, juega con el espectador, lo involucra en el juego, lo hace participe, aplica golpes certeros, logrando traer mas cerca el terror en nuestras mentes, sentimos esa impotencia de los protagonistas, la película termina, pero el miedo aun permanece, gran trabajo en la primera película de Watkins, tal vez se puede discutir algunas escenas se pueden tildar de inverosímil, la forma de contar la historia es de lo mejor de los últimos años, en cuanto a los thrillers de terror.

EL SECRETO DE SUS OJOS (2009)

LA PASIÓN QUE NUNCA CAMBIA

Juan José Campanella, no es director al cual, tenga una admiración particular, me parece que las características de su filmes, tiene que ver con lo cotidiano, el día a día, de un hombre común, en donde nos presenta sus alegrías, tristezas, contadas en una manera amable, y con una gran fluidez, que hacen que sus películas se han muy accesibles al público, en algunas ocasiones, satura con el melodrama como es el caso de La luna de Avellaneda, en otros puede lograr conmover y emocionar sin llegar a ese extremo, como en El hijo de la novia,a ninguna la pondría en la categoría de gran cine, como ya dije Campanella, hace películas amables, que logran su propósito, el cual es entretener.

Esta última película de Campallena, toma otro registro, deja la comedia romántica, y se embarca al Thriller, y no lo puedo negar lo hace muy bien, el film nos cuenta la historia de Esposito (Ricardo Darin), un antiguo secretario de un Juzgado, que en su época de retiro, tiene la necesidad de escribir una novela, de un crimen que nunca fue resuelto, el cual fue la violación y asesinato de una joven, los recuerdos son para él muy vivos, por lo que esta decidido a terminar la novela y saber como termina la historia, por lo que tendrá que recorrer en su pasado, y buscar a una amiga que amaba en silencio, la juez Irene Menéndez (Soledad Villamil), por lo que producirá en Esposito el renacimiento de su amor por ella.

Para Esposito, existe algo especial en la historia que quiere escribir, más que la violencia del crimen, el ve el amor y anegación que siente el viudo hacia su esposa, para Esposito es la prueba palpable que el amor existe, aunque él considere que le esquivo, ya que Irene se va casar con otro, y no puede hacer nada para evitarlo, por la sencilla razón, de que nunca le confesó sus amor.

Como en toda película de Campanella, el humor siempre esta presente, estando a cargo de la cuota de humor, Guillermo Francella, que hace de un secretario alcohólico, que ve el lado positivo, la escena del bar, en donde se descubre la verdadera pasión del sospechoso, es sencillamente delirante, su director muestra un talento para pasar del drama a la comedia, con facilidad, que entusiasma. Uno de los puntos más altos del film, es el plano secuencia que se inicia con el acercamiento al Estadio de Fútbol, logrando un clima de tensión en el espectador, aderezadas con algo de humor.

Campanella, le da importancia a las miradas, esas que nos dicen todo, mientras nuestras boca pronuncia palabras, nuestros ojos, dicen lo que sentimos, otro gran acierto del film, nos descubre a un director maduro, que no se queda en grandes discursos que no dicen nada, sino quiere trasmitir a través de las imágenes, no es necesario que el protagonista grite el amor, nosotros lo podemos ver, la escena final es un ejemplo de ello, en esta ocasión, puedo decir que Campanella a realizado una gran película.

LOS LIMITES DEL CONTROL (2009)

¿UD. NO HABLA ESPAÑOL, VERDAD?

Jim Jarmusch, es un director americano que tiene gran influencia en el cine europeo, en particular de Bresson, Antonioni, Godard, pero sin dejar de lado el cine clásico de Hollywood, pero con una mirada particular del cine y sobretodo de la música.

La historia, es sencilla, un hombre de ascendencia africana, del cual nunca sabremos su nombre, en los créditos a la final del film, aparece el nombre del personaje como el hombre solitario, bueno el protagonista, inicia su viaje de Francia a España,pero antes tendrá una entrevista con un criole francés, produciendo un intercambiaran cajas de fósforos, este intercambio de cajas de fósforos, se producirá a lo largo de la película, en distintos días y personas, y cada uno hará la primera pregunta, ¿Ud no habla español, verdad? , para lo cual la respuesta es siempre la misma, todos estos personajes, expondrán sus ideas particulares sobre la música, el cine, la ciencia, la bohemia.

La película, es presentada como un thiller, dentro del genero de espías e intriga, y conspiraciones, en donde su director no nos presenta el glamour de este tipo de cine, como las persecuciones, el seguimiento, peleas, tiroteos, tan sólo nos deja la incertidumbre sobre la misión que tiene el protagonista, Jarmusch, ha pretendido realizar un Film de intriga despojándola de todos los elementos característicos de esta, para presentarnos una película, en donde vemos los tiempos muertos, no vemos la acción del que va a cumplir una misión, sino la espera, sus viajes a museos, o sitios turísticos, y su practica de Tai chi.

Jarmusch, construye la historia principalmente por su puesta de escena, la preparación de los actores, en sus movimientos, y en sus silencios, la entonación y ritmo de sus palabras, su director, da más importancia al sonido, a la musicalización de las palabras que al propio texto, no es importante lo que se dice sino como se dice, el guión sirve de base para partir de una idea, pero es la puesta en escena donde entendemos o creemos entender la intención de su director, el cual es contarnos otra película mas de intriga, pero en la manera particular como ve el cine, donde cuando las palabras no son importantes, quedando sólo el poder de la imaginación.

El hombre solitario, es la unión de varios personajes de las películas de Jarmusch, podemos encontrar a William Blake de Dead Man, ya que ambos realizan un viaje que es desconocido tanto para los espectadores como para ellos mismos, también vemos la disciplina y preparación para su misión al igual que Ghost Dog, el impertérrito rostro de Bill Murray en Flores Rotas, es un personaje solitario, silencio y sin nombre, que como un juego va avanzando poco a poco a su meta, para luego desaparecer.

Jarmusch, que no deja de sorprender con cada nueva película, sigue siendo fiel asimismo, a esa manera tan particular de ver el cine, conservando su talento para saber transmitir su visión a través de imágenes y sonidos, a ser partícipes a los espectadores de las historias que cuenta, en tratar de usar ese gran don que es la imaginación.

QUE LA BÈTE MEURE (1969)

CHABROL Y EL CINE POLICIACO

La Nueva Ola francesa, tuvo como uno de sus integrantes a parte de los ya conocidos Truffaut y Godard, a Claude Chabrol, que se ha especializado hasta fecha con el cine policíaco o de crímenes, en donde con mirada cínica, presenta a la burguesía francesa en su faceta más frívola e infantil, en muchas ocasiones con resultados sobresalientes, como La mujer infiel, El carnicero, Gracias por el Chocolate, La ceremonia, Un asunto de mujeres, Al anochecer, y la presente película que nos ocupa hablar.

Que la bête meure, que en España lleva el título de Accidente sin Huella, en latinoamerica la traducción es más fiel al original, teniendo los siguientes títulos, La bestia debe morir o Que la bestia muera, la historia se centra en la venganza de Charles Thenier, un escritor que buscara al hombre o mujer, que en un accidente automovilistico mato a su hijo y huyo, constituyendo el único motivo para seguir viviendo, el vengarse del asesino, en donde ira descubriendo poco a poco más pistas sobre la identidad del asesino, ya que no sabe quien es, sólo sabe que tiene que morir.

Mientras va desentrañando el misterio sobre el accidente, nos va contando sus planes como acabar con el asesino, pero en su camino encontrará a Helene Lanson una actriz de cierta fama, que es cuñada del odioso Paul Decourt, con la cual tendrá una relación sentimental, pero es utilizada simplemente por Charles para llegar a Paúl, el principal sospechoso del crimen, al que conocerá a fondo su vida y su familia, siento una real repulsión hacia Paul por ser una persona despiadada y cruel con los que lo rodean, en donde la idea de matarlo adquiere más fuerza.

La película es fría y directa, el dolor del padre no se exterioriza pero se siente, su investigación, es un peregrinaje, un recorrido hacia la exhumación del dolor, sus palabras son constantes plegarias para dejar todo atrás y desistir de la búsqueda, pero no puede hay algo más fuerte que él, algo domina su voluntad, ya no existe el hombre, este se convirtió en un ser guiado por la venganza, para él no hay un antes ni un después, tan sólo su venganza, Chabrol consigue mediante una narración plagadas de miradas y rostros fríos, transmitirnos lo que siente cada uno de ellos,en donde la tensión se respira en todo el film.

Chabrol, nos regala mediante este título, uno de sus mejores películas, en donde la trama es simple, pero su director desmenuza a los personajes a su antojo, a los cuales nos presenta en su real desnudes, en donde no hay contemplaciones, siendo esta complejidad en los personajes que absorbe y penetra en nosotros, y que le da categoría de obra maestra al film.

INFERNO (1953)

SU UNICO CAMINO ERA SOBREVIVIR

Protagonizada por ese gran actor que fue Robert Ryan, en el papel del millonario Donald Whitley Carson III, casado con Geraldine Carson (Rhonda Fleming), una mujer fría y calculadora, la cual planea junto con su amante Joseph Duncan (William Lundigan), asesinar a Donald y hacerse de su fortuna, el cual sera llevar a Donald al desierto y abandonarlo a su suerte con su pierna rota, haciendo ver que se trato de un accidente.

Pero su plan no contaba que Donald un hombre dedicado a su empresa, que solo piensa en negocios, considerado un inútil para otros asuntos, comience a idear por su afán de sobrevivencia diferentes recursos para sobrevivir, sabiendo que nadie va venir a rescatarlo, dándose cuenta que no es tan inútil como pensaban los demás.

Es así que la historia, tiene como tema central la lucha de nuestro protagonista por sobrevivir, donde vemos cada paso que de para esto, en donde en algunos momentos parece que todo esta perdido, que ya no tiene esperanzas, pero decide que tiene que vivir, que no puede y no quiere morir así, teniendo la idea fija de la venganza.

La narración se va intercalando entre la historia de los amantes y la lucha de Donald, siendo la última la que genera el suspenso requerido, utilizando la voz en off, para mostrarnos la angustia y deseos por seguir viviendo, cuando más se acerca al final el suspenso va creciendo poco a poco, manteniéndonos en espectativa si logra sobrevivir o no.

La película se trata de un buen ejercicio en el genero del suspenso, dirigido por Roy Ward Baker, un especiliasta en cuando al genero de terror, en donde con tampoco recursos puede imprimir una buena dosis de tensión, la cual es llevada con inteligencia hasta el final, además de contar con la interpretación de Ryan, un grande que no es valorado en su real magnitud, y que se puede apreciar su talento en obras como esta.

MEAN CREEK (2004)

LA MUERTE DE LA INOCENCIA

Mean Creek, cuyo titulo en Latinoamérica es Río maldito, es el primer trabajo de Jacob Aaron Estes, un director a seguir, en donde demuestra que no es necesario contar con un gran presupuesto para contar una buena historia, donde el peso recae en las actuaciones de todo el elenco, integrado por jóvenes actores, que quisiéramos volverlos a ver más seguido.

La historia es de un grupo de amigos que quieren vengar a uno de ellos, por la golpiza que recibió de George, un niño que sufre de obesidad y que a su vez es abusivo con los demás, siendo una persona difícil de soportar, con agresividad hacia los demás, que provoca sobre los odio, con esto su director rompe con el tópico del ¨gordito alegre¨, mostrando una persona que no merece compasión.

Asimismo, la película al igual que deliverance rompe el tópico que nada malo puede pasar cuando hay hermosos paisajes, en donde reina la paz, que en un primer momento sus protagonistas parecen creerlo, pero desencadenaran una serie de hecho, que harán tomar decisiones drásticas a las cuales no estaban preparados, sabiendo muy bien que algo perdieron en ese viaje por el río, algo que nunca van a volver a recuperar, saben que ya no hay marcha atrás, su vida ya no será la misma, ni de los demás que los rodean.

Mean Creek, es un trabajo sobre lo que ocurre en el interior de las personas, hasta donde son capaces cuando siente que sus acción se encuentran respaldas por la demás, cuando se dejan llevar por los primario de sus emociones.

Si bien algunos ven un paralelismo entre esta película con Cuenta conmigo, ya que los protagonistas son niños, y el viaje sirve como maduración para ellos, pero la forma como maduran es donde establece la distancia entre ambas películas.

Una de las escenas a destacar es el viaje en el río, cuando juegan el reto y verdad, llegando al climax de esta, esta hecha con una gran naturalidad por sus actores, realizando una escena inolvidable.

También cabe mencionar el recurso de la handy-cam, para mostrarnos no solo el punto de vista de George, sino ser testigo de su soledad, sus ansias de ser aceptado tal como es, pero nunca tuvo la oportunidad de hacerlo.

Como ya mencione, no se trata de una película con gran presupuesto, con superestrellas, es mas bien un trabajo hecho con gran solvencia, con un buen trabajo de edición, buenas actuaciones, y sobretodo se nota el gran amor de todos los involucrados para llevar acabo la película, convirtiendo a esta película en una pequeña joya del cine independiente.

LA VISITA DEL RENCOR (1964)

CUANDO EL SILENCIO ES CULPABLE

Película dirigida por Bernhard Wicki, aquel directo alemán que dirigió esa gran película llamada El puente (Die Brücke), la historia trascurre en un pueblo alemán, en donde al pueblo regresa una mujer llamada Karla (Ingrid Bergman), que fue prácticamente expulsada del pueblo, cuando estaba embarazada, ocasionado al muerte de su hija al nacer, por lo que se vengara de todos aquellos que le hicieron daño, y de uno en especial, Serge Millar (Anthony Quinn), que era el padre de la niña que murió, que permitió de manera directa la injusticia hacia ella.

La película es un juego psicológico al que es sometido Serge, ya que ahora Karla es una mujer poderosa y millonaria, y pondrá a todo el pueblo en contra de este, llevando a situaciones extremas, que lleva al protagonista al borde de la locura, todos los que consideraba sus amigos le dan la espalda.

La forma como es llevada la historia es de manera correcta, y con mucho oficio, creando una sensación de angustia ante lo que va a pasar, e intriga ante las verdaderas intenciones que tiene Karla, que se van develar al final, siendo justamente el final el punto fuerte de la película, dando coherencia y fuerza a todo lo acontecido.

Cabe destacar además de la dirección de Wicki, las interpretaciones de Ingrid Bergman, Anthony Quinn y Valentina Cortese, hacen una labor excelente, aunque el que sobresale es Quinn, tal vez la interpretación de Bergman un tanto teatral, debido al personaje que interpretaba que había perdido la inocencia, la fe en las personas, mostrando un persona alejada de los demás y de sus sentimiento, con algo de compasión a una chica a la que siente como su hija.