domingo, 30 de diciembre de 2012

CÉSAR DEBE MORIR (2012)


LOS PRESOS DEL ARTE

Los directores italianos Paolo y Vittorio Taviani, no son muy prolijos en la producción de películas  ya que no cuentan con muchas películas en su haber, ni tampoco se puede decir que su filmografia sea de la más destacada, aunque tienen títulos brillantes como Padre padrone y Kaos (tal vez su obra maestra), lo que  hace que su cine no sea visto con mucho intereses, pero si algo se tiene que reconocer, es que son unos directores competentes que siempre presenta filmes de calidad, pero sin ese halo de genialidad que a veces la critica exige, catalogándolos en el grupo de los artesanos. 

En esta nueva producción  logran alcanzar el nivel de sus filmes más notables de su filmografia, tomando como base  la obra de Julio Cesar de William Shakespeare, en donde un grupo de presos  son voluntarios para formar parte del montaje de dicha obra, pasando por una audición  en donde cada uno se presentara. Cabe señalar que los actores son presos que tienen un nivel increíble.

La película es filmada como un documental, en donde vemos la realización de la puesta de escena de la obra, los ensayos, la interiorizacion de los actores de cada uno de sus personajes, el escenario es la propia cárcel, hasta los presos y guardianes que no participan en la obra forman parte de esta, la obra trasciende el escenario cruza las paredes, se introduce en sus actores, su propia vida carece de importancia, vemos como los personajes van poseyendo a los actores, ya no distinguen entre su vida real y la obra.

La historia de la obra Shakespeare, tiene que ver con la conspiración del asesinato de Julio César en los Idus de Marzo, por la mano de los senadores, en donde Bruto juega un papel importante, que movido por sus grandes ideales y el amor por Roma, y sobre todo por la libertad, se involucra en el asesinato de César. La película nos muestra a hombres hablando y luchando por la libertad, cuando estos están en una cárcel, quien más que ellos valoran el don de la libertad, y lo triste cuando esta es arrebatada  por un momento de su vida se sienten libres otra vez.

Los Taviani, con una gran puesta de escena, con unos encuadres fascinantes, que le imprimen un dramatismo en los momentos determinantes de la obra, como el asesinato de César y el discurso de Marco Antonio, en el cual se cuenta con  la intervención de todos los presos de la cárcel, son memorables, la película es una propuesta arriesgada y fresca, que no parece hecha por dos directores que pasaron los 80 años, y que para muchos su cine ya no tenia nada que ofrecer, aquí vemos un cine vital que logra trascender.

sábado, 29 de diciembre de 2012

RUBY SPARKS (2012)



UN PIGMALION MODERNO

Los directores Jonathan Dayton y Valerie Faris, vuelven después de arrollar con Pequeña Miss Sunshine (2006), con una sátira muy negra sobre los concursos de niños, teniendo como guionista a Zoe Kazan, nieta del legendario director griego Elia Kazan, siendo una película en donde la imaginación se ve desbordada, presentando  una película inclasificable, en donde los géneros se encuentran mezclados, al igual que los sueños y la realidad.

La película cuenta la historia de Calvin Weir-Field (Paul Dano), un joven escritor que ha tenido un excelente debut con su primera novela, considerándolo como una joven promesa en el mundo literario, pero que actualmente se encuentra en un bloqueo creativo. Calvin es retraído, obsesivo, que no tiene ningún amigo y su perro no es una mascota normal, como toda persona relacionada al arte, va constantemente a las sesiones con su terapeuta, para que le ayude salir de su bloqueo, en donde le cuenta sobre un  sueño recurrente con una chica.

Su terapeuta le pide que escriba la peor pagina que pueda escribir, es ahí donde Calvin se desboca y empieza escribir como un poseído  contado la historia de la chica que sale en sus sueños, en donde empieza sus verdaderos problemas, cuando su personaje literario Ruby (Zoe Kazan) cobra vida. Es entonces que nos encontramos en una versión moderna del mito de Pigmalion, en donde un hombre se enamorara de una mujer creada por su mente. Pero que también recuerda a filmes como ¨Como más extraño que la ficción¨  y Truman Show¨ donde un tercero como un dios va moviendo los hilos de la vida de sus personajes.

Si bien tiene un inicio de comedia romántica fantástica, sacada de la filmografia de Frank Capra, esta se va tornando más oscura, pasando al drama sobre la convivencia de pareja, las relaciones amorosas, conflictos éticos  en donde la felicidad no es tan fácil de encontrar con el simple tipeo de una maquina de escribir, ya que su personaje no sólo ha cobrado vida, sino también tiene su propia individualidad.

Nos encontramos, ante una película en donde los diálogos son el plato fuerte en la historia, lo cual se tiene que agradecer a la protagonista (Zoe Kazan), en donde  el lado fantasioso de la historia se va dejando de lado y nos vamos concentrando en la relación de la joven pareja. Los directores le imprimen mucha fuerza a cada  escena, sobre todo en las escenas finales, que pasa del genero de la comedia al drama, pasando un thriller de suspenso, que genera en el espectador una sensación de risa, tensión y conmoción, que difícilmente  logra transmitir una película, siendo uno de los mejores filmes del año.

domingo, 23 de septiembre de 2012

ANOTHER YEAR (2010)


BUSCANDO ALGUIEN PARA AMAR

El director inglés Mike Leigh, habituado a contar historias sobre la sociedad inglesas, sobre todo a las clases medias y obreras, en donde los conflictos familiares se encuentran presentes, teniendo su mejor exponente en su film Secretos y Mentiras (1996), sus historias son contadas de manera seca, con una mirada objetiva sobre lo que ocurre sobre los personajes, sin tratar de realizar juicio de valor, tal como ocurrió en Vera Drake (2004), en la cual nos cuenta la historia de una mujer que realiza abortos, mostrándonos su día a día de una manera cotidiana, sin satanizar ni justificar sus acciones.

En Another Year, nos encontramos en Londres, teniendo como protagonistas a un matrimonio, integrado por  Gerry (Ruth Sheen), que es una terapeuta en un centro hospitalario y por su esposo Tom (Jim Broadbent) es un geólogo. En la primera escena vemos a una paciente que sufre de insomnio interpretada por Imelda Staunton (que gran actriz), quien transmite una tristeza y furia que logra conmover con su breve aparición, dicha aparición marca la pauta de lo que se nos contará más adelante, en donde la soledad y tristeza, se contrasta con la vida de los protagonistas, que son una pareja feliz, que tiene como única preocupación que su hijo Joe consiga casarse.

Su director, nos van presentados a los demás personajes que conforman este retrato de la clase media baja, imbuidos por la soledad y la tristeza, en donde tenemos a Ken, un viejo compañero de la universidad de Tom y Gerry;  Mary amiga de trabajo de Gerry; Joe hijo de Gerry y Tom; Ronnie hermano de Tom; Carl hijo de Ronnie, y además de Katie, en donde cada personaje tendrá un papel importante en la historia.  


La historia es divida en cuatro partes, que representan las estaciones del año, la película narrativamente es contada de manera lineal, en donde cada episodio nos cuenta un hecho en particular, en el primero (primavera) en el cual aparece Mary, en donde se aprecia la soledad en que se ve sumergida, pero de una manera sutil, en una búsqueda de llenar el vacío en su vida. En el segundo episodio (Verano) tenemos a Ken que pasa unos días con sus amigos, no pudiendo ocultar la depresión en que se encuentra, la fiesta del nacimiento del hijo de Janet; en el tercer episodio (Otoño) la aparición de Katie, que será un factor desencadenante para el desborde de un personaje y; en el capítulo final (Invierno), nos encontramos en el  funeral de la cuñada de Tom, en cual aparecen Ronnie y Carl, esposo e hijo, respectivamente.

Si bien, se podría hablar que los personajes de Gerry y Tom, son los protagonistas de la historia, ya que es alrededor de ellos en que los demás personajes van y entran en sus vidas, pero la pareja son simples espectadores de la desilusión y depresión de los otros personajes. Ellos no tienen mayor intervención en sus vidas, los problemas de los demás no alteran su día a día, teniendo una manera neutral ante los acontecimientos que ocurre, pero en un momento parece que esa neutralidad se rompe por parte de Tom, pero que Gerry interviene para poner las cosas en su cauce normal.

Los filmes de Leigh, se encuentran centrados en las actuaciones, el peso de la historia recae en los actores, en donde los rostros, movimientos de los cuerpos, las inflexiones en las palabras, resultan determinantes para mostrarnos lo que ocurre en el interior de cada personaje, Leigh con gran maestría y pulso, la verdadera historia es la que no se ve a simple vista, los espectadores somos receptores de los sentimientos y conflictos que desbordan la pantalla.  El personaje de Mary (Lesley Manville) va adquiriendo más fuerza e importancia en la historia, es la que va envolviendo a los espectadores con su desilusión, con una escena final que es devastadora. El último film de Leigh es uno de los mejores de su filmografía.

sábado, 8 de septiembre de 2012

PROYECTO NIM (2011)



JUGANDO A SER DIOSES

El director inglés James Marsh, que gano el oscar de 2008 a la categoría de mejor documental por Man on wire, presenta un nuevo documental con Protect Nim, que cuenta la historia de un experimento realizado en años 70 con  un chimpancé, el proyecto era dirigido por el investigador Herbert Terrace, deseaba  demostrar que los animales podrían desarrollar un lenguaje, desvirtuando con ello la tesis del prestigioso lingüista Noam Chomsky, de que el lenguaje  era inherente al ser humano únicamente, por lo que no podría haber un lenguaje de animales.

El chimpancé es llamado Nim Chimpsky, el cual es un juego de las palabras chimpancé y Chomsky, el cual es trasladado con una familia humana, casi desde su nacimiento para que conviva con ellos, y a partir de dicha convivencia con los humanos, se podría ver algún tipo de desarrollo de un lenguaje por parte del chimpancé, en donde se podría demostrar que el lenguaje es empírico, que se puede dar a través de la experiencia, y que no sólo lo puede desarrollar el ser humano. La tarea de Terrace era titánica, con un afán de protagonismo y de fama, buscaba por todos los medios conseguir que el experimento resultara.

El documental, nos va brindando los testimonios de las personas que alguna manera tuvieron que ver con el cuidado de Nim, en donde cada uno de ellos, presenta un punto de vista de sus vivencias con el chimpancé,   lo cual va intercalando con las imágenes de archivos; en algunos casos nos encontramos con versiones que se contraponen, como el caso de los testimonios de Stephanie Lafarge (la primera persona que cuido a Nim) y Laura-Ann Petito (la supervisora del experimento), quienes pugnaban por representar a la figura de la ¨madre¨ de Nim, ambas tenían una manera distinta de ver a  Nim. Para Stephanie  era un miembro más de su familia, en cambio para Laura-Ann era el medio para demostrar la teoría de Terrace. 

Marsh, sin realizar ningún juicio de valor, nos va mostrando la vivencia de nuestro protagonista, sus cambios de ambientes, la contradicción de tratarlo como humano, que no puede suprimir su naturaleza animal. Lo que se nos cuenta, es la historia de un chimpancé, el cual es víctima de la soberbia del hombre, vemos a los científicos como un Prometeo que trata de otorgar el fuego de la sabiduría, sin tomar en cuenta que sus acciones alteraran para siempre la vida de otro ser.  El hombre aquí juega a ser dios, moviendo los hilos del destino de Nim.

Es interesante observar la forma como es narrada la historia de Nim, es como si nos encontráramos ante un drama, salpicado de un thriller conspirativo, en donde todo funciona en torno a Nim, los diferentes puntos de vista de los entrevistados, le otorga un gran dinamismo a la historia, es como si se estuviera presenciando una versión extraña del Ciudano Kane, en donde protagonista es un chimpancé. Siendo testigos de su ascensión  y caída. Marsh con su film no busca encontrar respuestas sobre lo que se nos cuenta, sino plantearnos preguntas, poner la semilla de cuestionar el verdadero sentido de humanidad. Estamos ante un documental poderoso que toca los corazones del público.

jueves, 30 de agosto de 2012

ÉRASE UNA VEZ EN ANATOLIA (2011)



SIN  NINGÚN INCIDENTE


Hace buen tiempo el director turco Nuri Bilge Ceylan al al estreno de su película Tres monos (2008), manifestaba que prefería los silencios en sus películas, el no introducir muchos diálogos entre los personajes, para dar una naturalidad a lo que se ve en la pantalla, en donde la historia se va desentrañando por lo que vemos y no vemos. En su última película esto no ocurre, bueno tampoco es que exista un excesiva cantidad de diálogos, pero aquí las palabras tiene gran importancia, estas nos van describiendo la historia, en donde los personajes deberán tomar decisiones, en las cuales su elección de las palabras, resulta determinante en la historia. 


En la primera escena de película, vemos la toma del exterior de una ventana empañada, las imágenes al interior son borrosas, la cámara se va acercando, en donde las imágenes se vuelven más claras, viendo a tres hombres conversando y comiendo muy afablemente, el ladrido de un perro hace que uno de ellos se levante para ver qué pasa en el exterior, como si algo amenazante estuviera  a punto de llegar, después de eso la escena concluye. De ahí pasamos a una carretera rodea por los campos, un árbol y una fuente de agua destacan en la monotonía del paisaje, tres autos se acercan en el atardecer, se detienen frente al árbol, bajan y uno de ellos señala un punto y se vuelven  a introducir al auto reiniciando su recorrido. 

La razón del viaje de los autos se va explicando conforme transcurre la película, en donde dos detenidos son llevados por la policía, para que señalen el lugar que ha sido enterrado un cadáver, pero sin darnos muchos detalles de los hechos, de cómo ocurrió el asesinato, quien lo cometió, ni las razones de este, tan sólo vemos el desplazamiento de estos hombres tan dispares de un lugar a otro, para encontrar el cuerpo, llevando a la desesperación al comisario que se siente burlado por los detenidos. Es así que nos encontramos ante una roadmovie, que nos muestran las estepas de un pueblo turco, hermosamente fotografiado, recordando a lo western de Anthony Mann, por lo majestuoso de los paisajes. Pero también encontramos a una comedia negra costumbrista de un pueblo turco alejado de la ciudad.



Ceylan, toma de excusa la diligencia de la búsqueda del cadáver, para presentar y describir cada uno de los personajes que integrantes de la comitiva, en donde tenemos a un comisario de la policía, que se muestra como una persona de mucha autoridad, pero que en verdad es controlado por su mujer; a un médico forense que pertenece a la ciudad que muy escéptico sobre las creencia populares de los pueblo; un fiscal le interesa muy poco la investigación, que considerada que algunas casos son de imposible explicación; un detenido que se resiste a hablar sobre lo ocurrido. 


El uso de los efectos de sonido, como el sonido del agua, el viento que agita los arboles, consiguen crear un ambiente más cercano con la naturaleza. mientras se acerca al descubrimiento de lo anhelado, se nos va contado otra historia, una historia que surge como una simple anécdota, que va tomando mayor relevancia, sobre todo al final; las creencias populares, la verdad y la mentira se confunden. Es una película realista, en donde se cree en fantasmas, en muertes anunciadas, se ve muertos tomando licor, pero todo eso tiene una explicación  porque siempre buscaremos una explicación hacia lo inexplicable. 


Ceylan, va sembrando dudas a lo largo de la historia, es por tal razón, que omite brindar detalles, tan solo muestra lo necesario, para que los espectadores, llenemos lo vacíos dejados por el director, o expliquemos las razones de determinadas acciones, teniendo un final abierto, en el cual se pueden dar muchas interpretaciones, Ceylan señala que pueden ser cinco interpretaciones, o puede ser ninguna de esas cinco, lo que sí es seguro es  que su última película es un recorrido fascinante y estimulante del corazón humano. 

domingo, 26 de agosto de 2012

ESTO NO ES UNA PELICULA (2011)


AHORA VOY A SER YO


Jafar Panahi, desde el 20 de diciembre de 2010,  fue sentenciando a seis años de prisión y además de quedar inhabilitado a dirigir y dar entrevistas, siendo acusado por el Gobierno iraní, que su última película que iba a rodar, atentaba contra el régimen de dicho país, la sentencia fue apelada, estando bajo arresto domiciliario, hasta que el juzgado de apelación confirmó la sentencia, en noviembre de 2011. Actualmente Panahi se encuentra en la prisión, aislado completamente de cualquier comunicación.

Esta película, se rodó en marzo de 2011, bueno es lo que hace entender con las imágenes presentadas en el mismo film (se ve en las noticias las imágenes del terremoto de Japón), la primera escena, vemos al director tomando un desayuno solo, ya que su esposa y su hijo han ido a entregarle un regalo por año nuevo a su madre, ante ese silencio, llama a un amigo Mojtaba Mirtahmas director de documentales, para que le ayude sobre un proyecto,  invitando a ir a su casa, después lo vemos deambular por su departamento, teniendo otra conversación telefónica pero ahora con su abogada, en donde nos da detalles sobre su caso, en especial sobre la apelación, y los posibles de los resultados de la misma, viendo la desazón del director ante su seguro paso a prisión.

Ante la llegada de Mojtaba Mirtahmas, este se pone la cámara al hombre y comienza a filmar a Panahi, quien tiene la idea de contar la historia del libreto por el cual, fue detenido y sentenciado, siendo una salida a lo ordenado en la sentencia, ya que no se le prohíbe leer un libreto. Es así que vemos al director, que trata de transmitir a través de la forma que cuenta las escenas de la película que no hará, que lo pondrá mal, sintiendo la impotencia de poder dirigir dicha película.


Entre la lectura del libreto, va dando algunas teorías sobre el cine, mostrando algunas escenas de sus propias películas, siendo la primera El espejo (1997), que la menciona, para hacer referencia sobre cómo ser uno mismo, que todo sea espontaneo sin artificios, ahí vemos a la niña mina que ya no quiere actuar diciéndolo en medio de la película, decide ser ella misma, y esto lo que busca Panahi, que es ser uno mismo, sin guion y nada, dejando que las cosas fluyan de manera espontanea. Sobre El Circulo (2000), lo pone como ejemplo para la importancia sobre los exteriores, en donde por el entorno se tramite la angustia sin necesidad de ver el rostro de la protagonista. Y en Crisom Gold (2003), hace mención de los actores aficionados, que según el director son los que dirigen las escenas y no el director, siendo los verdaderos creadores de las escenas. Siendo interesante observar las elucubraciones del director sobre sus películas.

Mirtahmas trata sin conseguir dirigir lo que sucede en la historia, ya que, Panahi se apodera de las escenas, es quien va encaminando las acciones  de todo lo ocurre. Si bien el titulo dice que no es una película, lo cual, es un medio ingenioso para evadir las restricciones impuestas por la Corte Irani, la verdad es que si estamos ante una película, el cual es un film documental que nos cuenta un día en la vida de un detenido político, nos presenta su monótona existencia encerrado en su departamento, que los sonidos de los fuegos artificiales constituyen una alteración a su rutina, a quien le prohíben hacer lo que le gusta hacer, que es cine, rehusándose aceptar dicha imposición que la considera injusta, realizando una película que denuncia el absurdo de su situación, siendo una de los filmes más transgresores y valientes del año.

sábado, 18 de agosto de 2012

TAKE SHELTER (2011)


                                                                                              
SE VIENE UNA TORMENTA

Jeff Nichols  joven director norteamericano de apenas 30 años, que se dio a conocer con su primera película Shotgun Stories (2007), que era un thirller con un fuerte contenido dramático,  en donde la venganza era su principal motor. En su última película tenemos a Curtis LaForche (Michael Shannon), un obrero de la construcción, que se encuentra casado con Samantha (Jessica Chastain), quienes tienen una pequeña hija llamada Ana que es de sorda de nacimiento, su vida transcurre con normalidad en su pueblo, siendo mayor preocupación la salud de su hija, que tiene un comportamiento muy introvertido. Pero tranquilidad de sus vidas se ven afectadas por los sueños de Curtis, alterando su comportamiento.

Los sueños de Curtis, se vuelven más contantes y violentos, confundiéndose entre el sueño y la realidad,  añadiendo a esto  el pasado de su madre, que acrecentaran sus dudas  sobre su cordura. Curtis siente que sus sueños son que eso, existiendo elementos que hagan creer, que dichos sueños como un anuncio de una tragedia que se avecina hacia su pequeño pueblo de Ohio. Buscando la mejor manera de proteger a su familia, convirtiéndose en una obsesión, lo cual trae graves problemas con las personas que lo rodean. Es así, que tenemos a un Noe moderno que predice una catástrofe, ante la mirada escéptica de los demás.

La película, nos mantiene expectante al igual que el protagonista, a que ocurra lo anunciado en los sueños, generándose una tensión a lo largo del visionado, en donde el trabajo de Shannon en su interpretación de un hombre consumido por las dudas y el miedo, perturbado por un pasado que no quiere repetir, es notable. Shannon le otorga una gran carga emocional, con su rostro y los movimientos de su cuerpo, brindando una actuación realmente entregada.

Si en la película El campo de los sueños (1989), el protagonista contra toda lógica construye un campo de beisbol en su granja porque se lo dice una voz, aquí tenemos a un  hombre que gastas su dinero en un refugio para tormentas, por los sueños que tiene, pero teniendo resultados muy distintos, en esta el miedo se aloja en el protagonista, ese miedo de perder todo lo que verdaderamente importa, que es su familia.

Conforme avanza la historia, es imposible que no venga a nuestra mente películas como El caballo de Turin (2011) y Melancholia (2011), que guardan relación, ya que estas hablan sobre el fin del mundo, claro de una manera distinta, aquí somos testigos de la destrucción del mundo de Curtis, en donde su obsesión va deteriorando justo lo que quiere proteger,  que es su familia, envolviéndose  en una paradoja que le es difícil de salir. Es decir nos encontramos en una catástrofe distinta a la anunciada en los sueños.

Nichols logra una película atrapante desde su primera escena, en la cual vemos a un hombre mirando el cielo, con un rostro de extrañeza, la lluvia en ese momento se convierte en una amenaza. Estamos ante un drama familiar, que se introduce en los géneros del thriller y hasta el terror, ese terror a lo que no se puede controlar ni prever,  creando una atmósfera de desasosiego y tensión. La seguridad sobre la realidad pende de un hilo, la amenaza se encuentra presente en cada momento, somos participes de la espera del día anunciado que no llega.


domingo, 12 de agosto de 2012

MEEK´S CUTOFF (2010)


LA VOZ DEL DESIERTO


El western es el género americano por excelencia, además es un género que tuvo origen en el cine, aunque algunos podrían pensar que un género que se agota, ya que cuenta la historia en un determinado lugar y tiempo de los Estados Unidos, esto no resulta cierto, el western tiene muchas variantes, nutriéndose de otros géneros, como la comedia, cine negro, el drama, hasta las tragedias Shakesperianas, pasando por diversas etapas, la etapa clásica siendo su gran representante el gran John Ford, en ella se nos cuenta la efervescencia de la conquista del oeste, en la cual la fuerza se define por quien más rápido desenfunda el revólver; pasada esta etapa llega el western crepuscular teniendo a Sam Peckinpah como su máximo exponente, mostrándonos el final de una era, donde los pistoleros ya son una raza antigua, que dejan su lugar a la civilización; durante esta segunda etapa aparece el spaguetti western que brinda una nueva mirada sobre el oeste, lo muestra más sucio y decadente siendo su iniciador el italiano Sergio Leone.


En la anterior película de Kelly Reichardt (Wendy and Lucy), nos contaba las desventuras de una chica cualquiera en tiempos de la crisis de la Norteamérica actual, teniendo a Alaska como destino como un lugar para rehacer su vida, aquí  nos traslada a la época de los colonos, y siendo más específicos al de los primeros colonos, en el cual su viaje constituye en un descubrimiento hacia nuevas rutas, hacia  un sueño que han depositado todas sus esperanzas, pero que cada paso se convierte en un acto de fe ante la incertidumbre en donde son colocados, es así, que nos encontramos en una lucha encarnizada por tres hombres y tres mujeres en contra de un adversario que no tendrá ninguna clemencia por aplacar sus sueños, el desierto es mostrado majestuoso y hermoso, pero también despiadado, por Reichardt.



Los colonos son guiados por  Week,  quien ha sido contratado para llevar a tres familias de colonos a Oregon, su personaje esta dentro del arquetipo del tipo rudo del oeste, con odio enfermizo hacia los indios,  que recuerda a Ethan el personaje interpretado por John Wayne en la mítica Más corazón que odio (conocida en España con el titulo de Centauros del Desierto), es la representación de todo lo malo del mismo oeste, rudo, agresivo y salvaje. Los colonos son la representación de la civilización, conformada por tres familias en donde tenemos a los White que es una pareja religiosa, en donde ven el viaje como una prueba de su fe; los Gately que son un joven matrimonio integrada por Thomas (Paul Dano)  y Millie (Zoe Kazan), que conforme transcurre la historia van tomando posiciones opuestas; y los Tetherow en la cual esposo Solomon (Will Patton) será el líder del grupo, teniendo a su esposa Emily (Michelle Wiliiams) como un gran soporte en sus decisiones. Este grupo ecléctico  es obligado a convivir y soportarse mutuamente para subsistir, produciéndose choques constante en su manera de ver el mundo, es entonces que vemos la adaptación de este grupo, que se da cuenta que tiene que dejar muchas cosas atrás, para poder seguir en su nueva vida, los cambios son mínimos pero van carcomiendo el alma de los protagonistas.




La mirada de Reichardt  en un primer momento de distante y contemplativa, va tomando su tiempo para presentarnos poco a poco a los personajes, describiendo a través de la cámara el padecimiento de los personajes. La primera reunión de los hombres, en donde se toman las decisiones, no es audible y la cámara se encuentra alejada, presentarnos con dicho plano la mirada de las mujeres, quienes no son participes de dicha reunión.  Pero más adelante cuando se van presentando más problemas en el camino, la cámara se acerca, en donde escuchamos las dudas tanto del guía como los esposos, es así que se producen cambios de manera imperceptible, debido al movimiento sutil de la cámara por parte de la directora.

Si bien la película tiene una banda sonora, que suena en los momentos de las largas caminatas, la verdadera banda sonora se encuentra en el sonido del desierto, en donde tenemos el golpe constante del viento, como un recordatorio de que estamos en un viaje que se requiere la fuerza y la voluntad para terminarlo, cada día en que sobreviven se convierte en un nuevo triunfo que se arrebata al cruel desierto.

El western que presenta Reichardt, es monumental en el mejor sentido, no veremos grandes batallas, ni persecuciones, ni tiroteos, ni siquiera una imagen panorámica (utiliza un formato de 4:3, el usado en las películas antiguas), pero Reichardt, nos presenta un film de connotaciones épicas, en donde los sueños e ideales desaparecen, en el cual el sobrevivir en mundo que los consume se vuelve un acto de heroísmo, siendo sus protagonistas esos héroes anónimos que construyeron Norteamérica, su directora rinde un tributo a dichos hombres y mujeres, de una belleza y amargura difícil de olvidar, con un final dejara a la elección del espectador.

domingo, 5 de agosto de 2012

THE PACT (2012)



SECRETOS DE FAMILIA

El cine de terror se ha convertido en un género que con los años se ha visto degenerando a un cine de sangre, monstruos en donde lo grotesco se ha convertido en elemento principal,  para trasmitir miedo a los espectadores, utilizando una simple regla de tres, cuando más grotesca la película mayor miedo causa, hecho que no es para nada cierto, pero ante todo este bombardeo de ese tipo de imágenes,  que han llegado a saturar al público. Por lo que, ahora la nueva tendencia es volver a lo clásico, tales como Insidius (2010); Ils (2006) y La dama de negro (2011) en las cuales el miedo no se tramite sólo de manera visual, sino también por los sonidos y el silencios.

En The Pact, dirigida por Nicholas McCarthy, opta por la vuelta al terror clásico. En ella nos encontramos  a Nicolle que ante la muerte de su madre vuelve a la casa donde paso su infancia, para hacer los trámites del funeral, solicitando a su hermana Annie (Caity Lotz), para que asista a dicha ceremonia, mostrándose reticente al pedido, pero ante la desaparición de su hermana decide ir a la casa de madre, de los que no guarda buenos recuerdos. Es así que la intriga se encuentra presente desde el inicio para los espectadores.

MacCarthy va moviendo y ubicando la cámara, colocándonos muchas veces detrás de los protagonistas, y otras introduciéndonos en una mirada subjetiva de estos, creando una atmosfera de tensión, mostrando un gran talento para ello, entregándonos escenas realmente admirables, como el plano en donde la pantalla se divide por una pequeña pared, la cual eriza la piel de los espectadores, en donde un momento de supuesta calma resulta escalofriante.


Annie que por el amor a su hermana, tratará de encontrar que es lo que ocurrió con ella, aunque que este le cueste desenterrar el pasado, que ella quería mantener olvidado, es aquí donde la película, donde se encuentra la intriga que es lo que realmente pasó en la casa cuando era niña, lo cual es descubierta de manera sutil, en donde deja abierta la posibilidad al público para interpretar que es lo que pasó en la infancia de ambas hermanas y las razones de porque se negaba a volver.

Cabe resaltar la actuación de la protagonista (Caity Lotz), que sin llegar a niveles sobresalientes logra transmitir el miedo y la angustia, resultando verosímil su interpretación, siendo en ella en donde recae prácticamente todo el peso de la película, al ser eje central de la historia.

Si bien el guion tiene algunas incongruencias, la historia puede resultar simple, recurriendo a los viejos tópicos de siempre, y además de existir muchas interrogantes en donde la historia puede cojear, es la forma como es narrada, con un ritmo dinámico y con un sentido de la atmósfera,  son las razones por las cuales  el film  sale bien librada, siendo un buen inicio de la carrera de su joven director, que esperemos siga mostrándonos una vez más su talento por explotar.

domingo, 29 de julio de 2012

EL CABALLERO DE LA NOCHE ASCIENDE (2012)


UNA REVOLUCIÓN GÓTICA
El caballero de la noche asciende, del directo Christopher Nolan, tal vez se trata de la película más esperada del año, y esto se debe al enorme éxito de crítica y taquilla de su antecesora El Caballero de la Noche (Segunda parte de la Trilogía del hombre murciélago), en donde el villano el Jocker interpretado por el fallecido Heath Ledger, se gano su espacio en salón de la fama de villanos de antología, por lo que, la valla era muy alta para esta película, generándose grandes expectativas e interrogantes.
La anterior película, se sostenía sobre el personaje del Jocker, el cual se adueñaba por completo de la película, aun cuando no se encontraba en la escenas, su presencia era permanente, siendo un villano fascinante lleno de matices, convirtiéndose en el amo y señor del caos, por lo que, la tarea no era presentar un villano digno de Batman (Christian Bale), sino digno del Jocker de Ledger, un enemigo capaz de destruir el espíritu del héroe.



La historia empieza 8 años después de la muerte del Fiscal de Distrito Harvey Dent y coincidentemente también la desaparición del Batman de ciudad Gótica, en donde Dent es considerado un héroe de la lucha contra el crimen y Batman en su verdugo. La muerte de Dent trajo la paz en la ciudad, no siendo necesaria ya la presencia de Batman, la desaparición de nuestro héroe, lo que ocasiona también la reclusión de Bruce Wayne, que siente que ya no tiene un lugar en un mundo de paz. Es aquí donde Nolan, empieza a desarrollar la historia, mostrándonos en Wayne acabado, consumido por la pena y culpa, un hombre que deambula como un fantasma, siendo un simple vestigio de lo que algún día fue.
Pero, el despertar de Batman se produce con la aparición de un nuevo villano llamado Bane (Tom Hardy), que es presentado como el líder un grupo mercenario, el villano en cuestión, a diferencia del Jocker, Bane es fuerza y estrategia,  es un fiel creyente de su causa, es predicador que enseña a través del ejemplo, el ejemplo de la destrucción moral y física. En esta nueva entrega permanecen los personajes relevantes en la vida de Wayne y Batman, además de la aparición de nuevos personajes, como son la ladrona Selina Kyle (Anne Hathaway), el joven policía Black (Joseph Gordon-Levitt) y la filántropa Miranda Tate (Marion Cotillard), quienes tendrán un papel importante en la historia.


La historia se convierte de un enfrentamiento de un grupo de criminales, en una  lucha revolucionaria, en donde es implantado el régimen del terror, realizando su director  una clara referencia a la revolución francesa, utilizando los términos ¨ciudadanos¨, ¨tribunales del pueblo¨, además del despojo de los poderosos de sus riquezas, hasta tener su propia ¨toma de la Bastilla¨ liberando a los ¨oprimidos¨ (criminales) por el sistema de ciudad Gótica, donde la imagen de Batman, ya no es el de un vigilante, ni de un héroe sino de un libertador, el murciélago es el nuevo símbolo de la esperanza, oprimida por la tiranía.
Si bien, el cine de Nolan se caracteriza desde sus primeras películas, en otorgar giros argumentales, buscando la sorpresa en el espectador, abusando algunas veces de esos giros en desmedro de la verosimilitud, lo cual resulta perjudicial en la historia, hecho que no ocurre aquí, no porque la historia peque de inverosímil, sino que el espectáculo es tan impresionante, que nos vemos atrapados en la ilusión representada por su director. Nolan se convierte en un  maestro de ceremonias de un gran espectáculo de explosiones y fuegos de artificios, en donde la banda sonora compuesta por Hans Zimmer genera intensidad y fuerza a las escenas. Ya no nos encontramos ante la profundad de la anterior película, aquí las escenas de acción son más espectaculares y abundantes, construyendo una monumental puesta de escena de destrucción y caos,  pero dicho camino que sigue el director, no hace que sea mejor  o peor película que el Caballero de la noche, tan sólo se trata de dos propuestas distintas, que sigue más en la línea de Batman Inicia, en donde consigue con su cometido, el cual es entretener, que es el fin de toda película desde el origen del cine.

viernes, 27 de julio de 2012

THE YELLOW SEA (2010)



HAY UNA EPIDEMIA DE RABIA

El director sur coreano Na Hong-jin, nos sitúa en Yanji, ciudad autónoma de la República Popular  China, que es un punto fronterizo entre Corea, China y Rusia, en donde la población mayoritaria de coreana, quienes son relegados en China, buscando fortuna en Corea del Sur, dicho lugar es el punto de partida de un viaje de sangre y violencia que realiza el protagonista, es un taxista Ga-num (Ha jung-woo) que tiene deudas con mafiosos, debido a la adicción al juego, lo cual se convierte en un círculo vicioso, además que su esposa se fue en busca de trabajo en Seúl, sin saber noticias sobre ella, poniéndolo al límite de sus fuerzas.

Dicha situación es aprovechada por el mafioso Myun-ga (Yun-seok Kim), que le propone realizar un crimen para poder pagar sus deudas y si es posible recobrar a su esposa. En Shaser (2008), primera película del director, nos contaba la historia de un proxeneta, un sujeto de lo más despreciable, que se ve envuelto en una la persecución de un asesino en serie, en donde una persona común es puesto en una situación extraordinaria, siendo una víctima de las circunstancias, bajo esta misma premisa, es que se va desarrollando la historia, como si nos encontráramos en un film de Hitchcock, pero nos encontramos ante una película coreana, por lo que, los golpes, cuchillos, machetes, peleas y sangre y mucha sangre están presentes.

Se puede decir que la historia se encuentra divida en cinco partes, la primera que es la introducción, donde se presenta al protagonista y su rabia, la cual es el impulso que mueve al protagonista en su agotable travesía, las otras cuatro, nos señalan la situación en que es colocado el protagonista, como si se tratara de los diferentes puntos que tiene que llegar en su viaje, pero no hablamos de lugares geográficos, sino de un viaje interno, en donde vemos su transformación en rabia pura con una sed de venganza incontenible, una preparación para su batalla final.



El film es contado con mucho nervio, donde la cámara tiene un  gran papel  para transmitir tensión a lo largo de toda película; las escenas de acción como las peleas son frenéticas, no existe coreografía, todo es invadido por el caos y la violencia desmedida, siendo mostrada sin ningún tipo de restricción, de la manera más cruda y bestial. La escena de persecución en el barco es estremecedora, como si nos encontráramos en una película de terror.

El mafioso Myun -ga, es un personaje, que va cobrando más fuerza conforme avanza la historia, siendo el mismo diablo, una fuerza imparable, que no se detendrá hasta que todo caiga, quien será el gran escollo que tendrá que superar Ga-nun, para la finalización de su viaje, el cual se encuentra acorralado por diferentes bandos, aunque sabe muy bien cual que su destino está trazado, esto no impide en buscar respuestas para encontrar al responsable que desencadenó el horror.

El director pretende crear desconcierto en el espectador, dándonos la información en simultáneo con el protagonista, la cual es brindada poco a poco, armando el rompecabezas hasta colocar la última pieza, que nos devela el cuadro completo, el cual fue engendrado por la semilla del engaño. The Yellow sea es un Thriller admirable, con una clara crítica social, sobre el racismo, los prejuicios, y como un hombre es llevado hasta el límite para realizar lo impensable, que mantiene al publico expectante ante un nuevo giro en la historia.

sábado, 21 de julio de 2012

UNA SEPARACION (2011)





VICTIMAS Y VICTIMARIOS

Ya habíamos comentado la anterior película del director iraní Asghar Farhadi A propósito de Elly (2009), en donde señalamos la crítica social presente en el cine del director, en su última película la multigalardonada Nader y Sirim, una separación (2011), vuelve a retomar el cine de crítica social, en donde los protagonistas es un matrimonio iraní, que se ve introducido a un drama de connotaciones morales y sociales.

La película nos cuenta desde el inicio la separación del matrimonio, el cual es iniciado por la esposa Sirim, debido a que su esposo Nader no quiere ir con ella a occidente, cuando han realizado todas las gestiones de su visa, él decide quedarse para cuidar a su padre, que sufre de alzheimer, pero su Sirim no entiende la necesidad de Nader se quede, creando un conflicto en su relación que origina el divorcio.

La razón, de Sirim de viajar fuera del país, es para encontrar un mejor futuro para su hija y su familia, significa la búsqueda de la libertar y un mejor ambiente para progresar, convirtiéndose en una obsesión para ella, encontrando en el divorcio la solución lógica para el dilema que se presenta. Farhadi, realiza una presentación perfecta de la situación y de los personajes, en donde Nader es una persona que se guía por los sentimientos y Sirim por la razón, tal vez se muestra a Sirim fría y practica ante todo, pero tiene motivaciones fuertes para serlo.



Pero de lo que se origina como una drama familiar, en donde se muestra los conflictos por la tenencia de la hija del matrimonio, el cuidado del padre de Nader, el sufrimiento de la hija, poniéndola en la disyuntiva de elegir entre su madre y su padre, la historia da un vuelco, encontrándonos en una película que se vuelve cada vez más tensa en su transcurrir, Farhadi vuelve a introducir la intriga en su relato, como si nos encontramos en un film de misterio, en donde se tiene que descubrir la verdad de los acontecimientos.

Farhadi, utiliza nuevamente la cámara al hombro para brindar una mayor naturalidad en la forma de contar la historia,  colocándose muy cerca de los personajes, moviéndose constantemente para seguir sus movimientos, siendo los espectadores en verdaderos intrusos de los dilemas y conflictos de los protagonistas, quienes son personas común y corrientes que son rebasados por sus propias acciones. Las situaciones son presentadas de forma cotidiana, en donde esta puede ocurrir en cualquier lugar, Fashadi, brinda universalidad a la historia. Una historia en que las emociones se desbordan, introduciendo a los protagonistas un camino al infierno, que resulta terrible destructivo. En donde el papel de víctima y victimario se intercambia rápidamente.

Al igual, que A propósito de Elly, los protagonistas se encuentran inmersos en conflictos morales, en donde la verdad juega un papel importante, pero a diferencia de la anterior, quien tomará la decisión final no será la parte culpable sino la inocente, convirtiéndose en la verdadera víctima de la historia. Su director a través de una supuesta historia sencilla, trasmite un sin número de de emociones, que al espectador tan sólo le queda presenciar, y sucumbir ante los golpes que brinda Farhadi a través de las imágenes, basta recordar la escena final, en donde en un plano, el dolor traspasa la pantalla.

domingo, 15 de julio de 2012

THE RAID (2011)


SIN RESPIRO

Gareth Evans,  es un joven director gales, quien al realizar un documental sobre las artes marciales de indonesia, se quedo encantado con el mundo de las artes marciales en dicho país, sobre todo con la técnica del Pencak Silat, realizando su primera película de artes marciales, Merantau (2009), teniendo como protagonista a Iko Uwais, el cual es un experto en la práctica del Silat, quien fue animado en la actuación por el propio Evans, teniendo un gran éxito en Indonesia, lo que animaría a Evans a seguir con dicha temática, filmando The Raid, que ha recibo buenas críticas y gran aceptación, lo que ha asegurado una secuela.

La historia de The Raid, es muy simple, un escuadrón especial de asalto de la policía, quiere penetrar un edificio, con el propósito de capturar, a un jefe de un grupo criminal, que ha convertido el complejo habitacional,  en un Bunker, en donde controlará desde ese lugar, las acciones criminales  de la ciudad, siendo un prácticamente un rey, que no puede ser tocado ni por la Ley, ni por nadie. Por lo que, la incursión policial  significará un suicidio.


La película, es netamente de acción, contiene  adrenalina pura, donde los disparos, explosiones, saltos acrobáticos, las peleas, escenas limites, son los ingredientes principales, en esta propuesta del director gales,   que se convierte en una película de sobrevivencia, introduciendo tensión en los momentos que se bajan las revoluciones, siendo una montaña rusa de emociones, en donde los espectadores son llevados en un tren que nunca para, quedando pegados ante la espectacularidad de las escenas.

Contiene escenas memorable, como la presentación del Jefe de la mafia, que es realmente terrorífica, en la cual se introduce ciertas dosis de humor; en cuanto a las escenas de las peleas, estas están elaboradas con una  coreografía espectacular, sobre todo con el asesino del grupo criminal, que disfruta matar, pero más si lo hace con sus propias manos,  un personaje que se mueve por su propio código; los saltos de una escena a otra no da respiro al espectador.

The Raid, es una película de acción, que con una historia sencilla, llena de personajes tópicos, de bajo prepuesto, pero elaborado mucho talento, donde el movimiento de la cámara y su montaje, que le da un ritmo trepidante, produciendo una de las mejore películas de acción del año, siendo entretenimiento puro, que a veces es muy difícil ver en los cines en la actualidad.

sábado, 14 de julio de 2012

EL NIÑO DE LA BICICLETA (2011)

LO QUE SE PERDIÓ EN EL CAMINO

Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne, se centra en contarnos las historias de seres marginados, en donde los los niños y adolescentes, son los que padecen las necesidades económicas y de cariño. Su estilo es austero, recurriendo a la naturalidad de las actuaciones y diálogos, el uso de las elipses narrativas, que brindan una economía en lo que se nos cuenta, y que hace participe en la espectadores en dejar ciertos hechos en la imaginación de nosotros

El cine de los Dardenne es un cine naturalista, de observación, como ocurre en la presente película, en donde en el comienzo se ve a un niño  intentando comunicarse por teléfono con su padre, no aceptando alguna respuesta negativa sobre ello, tomando un reacción inesperada y violenta, con una concisa escena se describe al protagonista.  Cyril que es  un niño de 11 años que es huérfano de madre, y se encuentra viviendo en un albergue, ya que su padre no lo puede cuidar. Pero las cosas cambian para Cyril cuando pierda comunicación con su padre y decide buscar a su bicicleta y su padre.

La búsqueda de Cyril es obsesiva, la constancia del niño de encontrar lo que más quiere producen una sucesión de hechos dolorosos para él. Lo cual es contada sin dramatismo, despojándole de cualquier tópico melodramático, mostrándonos de una manera cruda y cortante lo que ocurre con el poder Cyril, donde con un simple gesto, se muestra los verdaderos sentimientos, como el cerrar de una puerta podemos  ver la vergüenza y cobardía presentes. En esta búsqueda se encuentra con Samantha  una peluquera que ayudara a Cyril, de manera desinteresa soportando al niño yendo contra toda lógica o razón, convirtiéndose en su ángel guardián, la escena en que le obligan a  decidir es una descripción total del personaje, no existiendo dudas para ella por lo que siente por el niño.


La película es narrada de forma concisa, utilizando elipsis, en donde muchas cosas quedan sin explicar para el espectador, pero que no va en contra de la historia, ya que, se nos cuenta lo verdaderamente importante, el espectador es el observador de las penurias del niño, que recuerdan al protagonista de la película polaca Jestem (2005). Cyril, busca un lugar en el mundo y alguien que lo quiera, pero entre su inmadurez y rebeldía no le permite ver con claridad los sentimientos de los demás. 

El uso de un fragmento de una melodía de Beethoven, la cual es utilizada como un nexo entre una escena a otra, resulta extraño al mismo tiempo transmite emotividad en momentos que son determinantes para Cyril, viniendo a la mente Azul  (1993) de Kieslowski, en donde la música es parte importante de la historia, como si nos anunciara un nueva etapa que le toca vivir a Cyril, un nuevo  paso que da en su largo y duro  camino de aprendizaje.

El niño de la bicicleta, es una lección de hacer cine, de comunicar y expresar a través de imágenes, la lucha interna de un niño rechazado, de su búsqueda del verdadero rumbo de su vida, tratando de encontrar aquello que perdió, y que no encuentra explicación para ello, todo eso y más nos es contado, de manera cruel y dolorosa, pero con aire de esperanza y perdón.

sábado, 7 de julio de 2012

GOD BLESS AMERICA (2011)

LA ABSURDA REALIDAD

Escuchamos el llanto de un niño, luego  la cámara se va moviendo en un plano cenital, en donde vemos una pareja discutiendo sobre la inocencia de Michael Jackson, hasta pasar a otro ambiente que se encuentra un hombre meditando sobre sus vecinos, que no tienen ninguna consideración con él, teniendo que soportar a sus vecinos, la siguiente escena resulta ser impactante, y por qué no decirlo una de las más graciosas del año. La cual sirve como un adelanto de lo que nos tiene preparado su director Bobcat Goldthait, que ya había mostrado su altas dosis de humor negro en comedias como World´s Greadtest Dad (2009) y Sleeping dogs lie (2006).

El protagonista es Frank (Joel Murray)es un oficinista que tiene una visión distinta sobre la vida, y el mundo en que vive, lo que lo convierte en un ser extraño, el cual no sigue los dictados de la televisión, siente que todos se encuentran dominados por los medios de comunicación, las personas carecen de opinión tan sólo son entes que repiten lo que dicen estos, sus vidas giran entorno a la TV, pero llega un día en que Frank ya no aguanta más y decide realizar un cambio en su vida, iniciando una guerra contra su enemiga (La TV), teniendo como compañera a Roxy (Tara Lynne Barr) una niña de 16, que también tiene la misma visión de Frank del mundo.

La película es un critica ácida a la sociedad norteamericana, sobre la influencia ejercida en la sociedad por los medios de comunicación, sobre todo la televisión, en donde para los demás la vida real ocurre en la televisión, nada existe sino se encuentra en los medios,  donde no se valora la inteligencia o la verdad sino el escándalo o la glorificación de la estupidez, y son los medios que consideran que es importante o que debe ser descartado. 


Goldthait, parte de la pregunta que realiza el protagonista ¿Por qué tener una civilización que no le interesa ser civilizada?, atacando sin concesión, decide disparar contra todo,  nada está a salvo de su mira, en donde todo tiene que caer, su director se convierte en el verdadero francotirador, nos muestra la furia de un hombre que se canso de aceptar la basura que le ofrecen, el decide ahora ofrecer su propio mensaje a través de más violencia, siente que ha encontrado un verdadero motivo porque vivir, se encuentra cómodo con su papel de ¨justiciero¨-

La historia es una comedia negra, una sátira de la sociedad en que vivimos, mostrándonos las situaciones absurdas que se presentan en esta, las cuales las tomamos de manera natural, donde el nivel de asombro ya no tiene límites, lo cual recuerda a otra película, el Dr. Strangelove (1964) de Kubrick, donde nos contaba en modo de comedia una crisis nuclear, en las cuales las situaciones absurdas y la ineptitud de los gobernantes eran totalmente verosímiles, mostrándonos con total desnudez la estupidez la guerra, que produce terror. Y es ahí clave la de la película, en donde lo absurdo se vuelve verosímil, las situaciones son tan cercanas para el espectador, tan cotidiano, tan real, que tiene más efecto que un drama, la comedia resulta más directa, más acorde con lo que ocurre en la sociedad.


La película nos es contada con mucha agilidad, con diálogos divertidos y punzantes, con escenas memorables, con un humor extremadamente negro. Entregándonos una de las mejores críticas de la sociedad actual y su legado que deja a las futuras generaciones, es una pieza que impacta y penetra en la mente, siendo difícil de resistirse a sus imágenes y a su mensaje.